Mais il est possible de créer des images très agréables à condition d’accepter les contraintes d’une technique souvent ignorée : le multiflash. Mieux, pour certains sujets rapides, le flash est absolument nécessaire pour figer le mouvement ; il faut donc le rendre plus élégant, plus discret et plus apte à embellir le sujet.

Par exemple : les colibris. Impossible de figer des ailes qui battent entre 20 et 80 fois par seconde. Même le 1/8000s reste largement insuffisant si l’aile n’est pas immobile en position haute ou basse. Mais si un bon gros coup de flash résout le problème, nous voilà avec une image écrasée de lumière, avec des ombres très bien alignées sur l’axe optique de l’éclairage. Solution : plusieurs flashes (d’où le nom de multiflash).

De fait, l’utilisation de plusieurs flashes n’est pas si simple, comme le photographe de studio le sait bien. Mais on découvre vite qu’il s’agit de gérer un équilibre que l’on peut (trop) vite résumer par :

• Offrir une illumination proche d’un éclairage naturel
• Eviter les ombres grossières en les éclairant
• Fournir un écrin qui mette le sujet en valeur

Ce sont les trois axes que je me propose de balayer ici. Cela ne fera pas de chaque photographe un expert. Mais cela offre de la place pour une expérimentation plus ordonnée qui mènera rapidement à trouver ses propres paramètres.

Conditions préliminaires

Un élément assez critique dans la mise en oeuvre de cette technique provient de l’ambiance générale. On oublie trop souvent que pour pratiquer simplement le flash en lumière naturelle, il faut partir d’une ambiance naturelle suffisamment… sombre.

Donc, même dans la nature, il faut s’installer à l’ombre. Un toit, un auvent, un arbre dense, une forêt. Tout est bon. Mais on voudra travailler avec un éclairage au flash relativement doux (les flashes seront réglés sur 1/32 de puissance, ou même beaucoup moins). Il faut donc que l’ambiance naturelle soit franchement trop sombre pour prendre la photo. Autrement, on risque de trouver des images « dédoublées » particulièrement disgracieuses.

Dans le cas de photographie de colibris, les perchoirs à utiliser seront placés à l’ombre, sous un arbre ou même franchement en forêt.

Eclairage naturel

Le premier objectif à atteindre est un éclairage qui malgré ses sources électroniques doit restituer une ambiance relativement naturelle. Pour cela, il faut prévoir des sources de lumière plutôt au dessus du modèle (le soleil est… dans le ciel).

Eviter un gros éclairage par en dessous. La photo semblerait bizarrement déséquilibrée.

Alléger les ombres

Mais comme un flash produit une lumière souvent très dure, il est recommandé de compenser la source principale par des sources secondaires plus douces pour éclaircir des ombres portées (plutôt en dessous ou à l’opposé de la source principale).

Vous pouvez être tenté d’utiliser des réflecteurs et des sources adoucies par des objets comme les parapluies de studio. Le gros problème reste que la présence d’un flash (souvent noir) est déjà source de perturbation des comportements animaux. Déployer un réflecteur d’un mètre (ou plus) et des parapluies de studio revient à assurer l’absence de sujet. Il y a déjà bien des environnements qui n’accepteront pas la présence des flashes avec leur support. Il faudra parfois installer l’éclairage à l’avance pour laisser la faune s’y accoutumer avant de pouvoir faire des photos.

Mise en valeur du sujet

Cela commence par le fond. Vous aurez plusieurs options à votre disposition avec plusieurs approches d’éclairage.

1. Fond naturel : prévoir un flash suffisamment puissant pour fournir de la lumière aux plantes – à condition qu’elles ne soient pas trop loin. Soignez la présentation pour obtenir un fond agréable.
2. Fond dessiné : il est beaucoup plus facile de suspendre un fond (dans le cas d’un colibri, la taille est rarement un problème ; c’est sans doute sans espoir pour un éléphant sauvage). Tout est possible sur les teintes et les couleurs ; mais n’exagérez pas. Il est souvent mieux de faire avec moins (de détails), moins (de couleurs artificielles), plus (de flou).
3. Fond noir ou sombre : si le fond est loin, pas éclairé ou dans l’ombre, vous obtiendrez un arrière-plan très sombre qui peut mettre en valeur le plumage d’un colibri.

Les paramètres de l’appareil et des flashes

Finalement, venons-en à l’appareil photo lui-même.

1. Mode manuel obligatoire.
2. ISO 400
3. Vitesse : synchro-X ou 1/200 (on travaille au flash !)
4. Ouverture : le flash va figer le modèle ; autant avoir des détails et fermer le diaphragme également. f/16 est une bonne base.
   Mais, de fait, il sera possible de faire varier légèrement l’ouverture (ou les ISO) pour s’assurer d’avoir la parfaite exposition (sans toucher à la vitesse qui n’a pas d’influence quand on utilise le flash).

Les flashes seront réglés entre 1/16 de puissance et 1/128 de puissance, afin de leur permettre de se recharger rapidement (une courte rafale de 3 ou 4 images ne doit pas être interrompue par la recharge des flashes).

L’équilibre entre les différents éclairage est une combinaison de la distance de chaque flash au sujet (elle réduit la quantité de lumière) et de sa puissance. 1/16 pour éclairer franchement. 1/64 pour déboucher les ombres. Tout cela étant combiné à la distance.

Le flash sur l’appareil photo (voir ci-dessus) sert de Pilote pour commander tous les Suiveurs. Généralement, il faut utiliser la fonction Wireless de ces flashes. Mais il y a de nombreux équipements qui fonctionnent encore plus simplement : les flashes supplémentaires se contentent de déclencher quand ils « voient » le coup de flash principal. Pas de complication technique.

Un article très précis de Nate Chappell (Multi-flash Hummingbird Photography) est alors une lecture vivement recommandée. Non seulement Nate est un photographe qui a rodé sa technique, mais il la partage depuis longtemps et il anime une agence de voyage spécialisée qui propose des ateliers de photographie sur les oiseaux (souvent sur les continents américains). Vous remarquerez qu’il utilise des flashes Nikon SB-26 qui sont relativement puissants, pas trop chers et faciles à configurer en synchronisation avec n’importe quel autre flash du marché (y compris les micro-flashes intégrés à certains appareils photo).

Cet article est certainement trop court pour tout expliquer. Il laisse encore beaucoup de place à l’expérimentation. Mais j’espère qu’il vous permettra de vous lancer dans la photographie multiflash sur des colibris (absents en Europe) ou sur des mésanges (courantes en France) ou tout autre sujet animalier.

On connait bien la photographie animalière. On voit souvent des photos de colibris (si jolis à cause de leur plumage souvent multicolore et largement irisé). Les plus jolies photos sont habituellement celles de ces minuscules oiseaux en vol. Mais aviez-vous remarqué à quel point leurs plumes sont mignonnes… vues de très près.

Pourquoi ne pas faire de la macro-photographie sur le plumage d’un oiseau qui bat des ailes 50 fois par seconde ? Ça devrait être assez joli. Ça ne peut pas être trop dur, non ? Non ? Si, un peu difficile…

Je ne m’étendrai pas sur le fait que les colibris ne se rencontrent qu’aux Amériques (inutile de chercher en Europe, en Afrique ou en Asie). Ils vivent plutôt dans les forêts tropicales même si on les rencontre parfois en ville ou jusqu’au Canada.

Pour mes propres essais, j’ai travaillé dans des refuges en forêt en Équateur. Il est toujours plus facile quand les modèles sont présents en grand nombre.

À noter également : l’Équateur présente de nombreux endroits où les colibris sont relativement habitués à la présence humaine et ne s’enfuient pas à votre première apparition. Cela va avec un risque réduit de perturbation : comme vous allez le voir, leur environnement immédiat va être un peu chamboulé.

L’idée générale consiste à amener l’oiseau à l’appareil photo plutôt que le contraire. Inutile d’envisager courir après un colibri pour lui coller votre objectif dans le bec ! Nous allons donc utiliser un endroit où il se rend naturellement, installer notre « piège photo » et attendre le modèle.

Tous les colibris passent une grande partie de leur temps à rechercher une nourriture extrêmement riche pour leur permettre de mener la vie absolument frénétique qu’ils apprécient, du nectar de fleur ou aussi bien le sirop de sucre mis à leur disposition par les êtres humains dans leurs jardins.

Un des éléments les plus importants consiste à s’assurer que l’oiseau se positionne de manière très stable en face de votre appareil. Je n’essayerai jamais avec une branche ou une fleur (c’est trop imprécis). Mais il convient d’utiliser une mangeoire.

Le plus utile est de choisir une mangeoire sur laquelle l’oiseau peut se poser (comme le modèle de gauche) et non pas une mangeoire (comme celle de droite) qui demande au colibri de faire du vol stationnaire. C’est très joli, mais vous allez vite remarquer que le vol n’a de stationnaire que le nom et l’oiseau se déplace continuellement. Pas beaucoup, mais suffisamment pour rendre la vie insupportable à l’auto-focus. Inutile de se rajouter cette difficulté supplémentaire.

En observant les colibris, vous remarquerez que quand ils s’arrêtent pour boire, il n’y a qu’un nombre restreint de trous d’alimentation (vous pouvez en boucher certain avec du scotch) et que cela garantit un nombre précis de positions relativement prévisibles.

Installez votre appareil et son objectif macro (ou mieux un télé-objectif avec une bague allonge) sur un trépied robuste. Faites la mise au point là où se trouvera la tête de l’oiseau posé. Et attendez.

Plusieurs choses sont importantes à ce point de la conversation. Elles peuvent conditionner le résultat.

• Les colibris sont attirés par la couleur rouge ou par la couleur orange. Vos vêtements ne doivent pas inclure ces teintes qui risqueraient de les perturber et de trop attirer leur attention.
• Votre taille est énorme comparée à un colibri : bougez le moins possible, et toujours de manière très lente. Vous devez vous fondre dans le paysage.
• Ne mettez pas le serrage de la tête de votre trépied en mode « bloqué ». Les oiseaux ne seront pas exactement là où vous les attendez. Vous voudrez recadrer. Mais il est exclu de bouger la main pour desserrer le frein de la tête. Un léger appui sur l’appareil est le seul mouvement possible. Et encore, tout doucement.
• Une tête pendulaire (type Wimberley) est évidemment un avantage crucial.
• Quoi qu’il arrive, ne bougez pas pendant en moins dix minutes par séance. Les colibris doivent s’habituer à votre présence. Vous devez donc être patient.

Maintenant, il vous reste à bien viser (toujours avec le moins de mouvements possible). Vous allez retrouver tous les problèmes de la macro-photographie « normale » (en particulier la faible profondeur de champ qui va vous obliger à fermer le diaphragme, donc à jouer uniquement des jours où le soleil brille directement sur la mangeoire – mais ne prenez pas la peine de perturber les colibris en déplaçant la mangeoire ; attendez que le soleil se déplace pour vous).

Et vous pouvez espérer des résultats un peu inhabituels, des images inhabituelles de vos colibris préférés.

• The Art of Waves: A Lifetime of Awe-Inspiring Surf Photographs nous parle (en anglais) du livre de Clark Little qui présente 15 ans de travaux dans les vagues : The Art of Waves.
• Photographing Waves: One of The Most Rewarding Subjects est un autre article de PetaPixel, écrit par Rachael Talibaert qui nous décrit sa passion pour ce sujet.

Peut-être des idées pour vos photos de vacances ?

Warren Keelan

Rendez-vous sur son site web, son Instagram, Facebook, 500px, ou encore sur Twitter.

Encore mieux, il est possible d’acheter le calendrier 2020 édité par Warren. Un moyen de garder ses images sous les yeux toute l’année.

Rachael Talibart

Née dans le sud-est de l’Angleterre, Rachael a grandi quasiment dans le bateau de son père. Aucun doute, elle a trouvé l’expérience enrichissante (même si elle n’est pas devenue marin) et source d’inspiration pour ses images.

Des orages majestueux lui ont offert l’opportunité de rencontrer des vague ssuperbes dans des conditions spectaculaires. En voici des images superbes, loin des images de tout le monde. Son site regorge de telles images.

Il en existe des quantités, mais j’ai décidé de me pencher sur un des plus sophistiqués : Le challenge photographique de Dogwood en 52 semaines.

Il permet de travailler spécifiquement tous les aspects qui font un bon photographe. Pas seulement la maitrise de la technique mais différents aspects de l’image. Un moyen de sortir de notre zone de confort.

• Story telling (raconter une histoire)
• Composition (composer une image)
• Inspiration, pour la créativité

Mes résultats pour 2019 sont publiés sur Roumazeilles.net (catégorie
#Dogwood2019) si ça vous intéresse. J’essayerai d’en tirer quelques conclusions (si j’arrive au bout du challenge, bien sûr).

L’original se trouve sur https://xkcd.com/1855/ (un site tout à fait recommandé aux geeks photographes ou non).

1. Toujours formater la carte dans l’appareil photo qui va l’utiliser (le formatage dans un ordinateur ne conviendra pas toujours; de même pour le formatage sur un autre appareil photo)
2. Toujours attendre 3 secondes avant d’éjecter la carte mémoire (ou vérifier soigneusement que la petite LED rouge de l’appareil a bien complètement cessé de clignoter)
3. Sauvegarder les photos dès que possible (un videur de carte reste la meilleure option ; n’attendez pas d’être assis en face d’un PC portable), puis reformatez immédiatement la carte (sur l’appareil photo !) pour la rendre totalement disponible
4. Ne jamais faire de sélection d’image sur l’appareil photo (il reste impossible de juger de la qualité d’une image sur l’écran LCD à l’arrière d’un appareil ; toujours réserver l’édition à votre PC/Mac)
5. Routine personnelle : rangez les cartes vides ou exposées dans des emplacements clairement différenciés (poches différentes du sac à dos, boitier ou sac à la couleur différente ou à la texture différente ; le mieux est de pouvoir les reconnaître facilement dans toues les circonstances, y compris dans le noir).

Encore ce mois-ci, j’ai croisé un photographe pro qui ne jurait que par le RAW et voulait convaincre tout le monde (Roger, tu te reconnais ?)

Et pourtant, je crois que la chose est assez simple. Et même de plus en plus simple.

Qu’est-ce qu’un fichier RAW ?

Quand un appareil numérique prend une photo il récupère des données brutes sur son capteur. S’il les garde sans les traiter cela donne un fichier RAW (« brut », en anglais). S’il veut commencer à les traiter, il essaye de les améliorer au plus vite, de les compresser raisonnablement et il stocke cela dans un format différent (99,99% du temps en format JPEG).

Sauf cas particulier (les smartphones d’entrée de gamme), tous les appareils sont capables de sauvegarder un fichier RAW. Tous les appareils photo numériques savent sauvegarder un fichier JPEG.
Sauf cas particulier (par exemple, Linux), tous les systèmes d’exploitation courants (MacOS/OSX et Windows) reconnaissent les fichiers RAW aussi bien que les JPEG. Mais même sur Linux, on trouve facilement des outils qui reconnaissent les fichiers RAW.

Avantages du JPEG

Vraiment tout les outils savent s’en servir.

Les fichiers sont compressés : ils ne prennent donc que très peu de place sur une carte mémoire ou un disque dur.

Inconvénients du JPEG

La compression est justement à l’origine de plusieurs problèmes plus ou moins perceptibles selon l’image d’origine :

Avantages du RAW

Un fichier RAW contient toute l’amplitude des informations retenues par le capteur. Sur les appareils photo (pas les smartphones), c’est très généralement une grosse différence qui autorise à « sauver » certaines images sur-exposées ou sous-exposées, là où un JPEG ne permet essentiellement plus rien.

Vous avez souvent remarqué que certaines images photographiées en intérieur apparaissent jaune (et autres variations de teinte comme du bleu sur des photos de paysage). Cela vient de la gestion de couleur appliquée automatiquement sur les fichier JPEG. La gestion des couleurs est séparée dans le fichier RAW. Donc, elle peut toujours être corrigée, alors que sur un fichier JPEG la correction peut être difficile ou même presqu’impossible.

Inconvénients du RAW

Les fichiers RAW sont plus gros que les JPEG (en gros, dix fois plus gros). Donc, on prend moins de photo sur une carte mémoire donnée, on stocke moins de photos sur un disque dur donné. Mais avouons que ce problème disparaît rapidement avec les tailles toujours croissantes de mémoire (et leurs prix toujours décroissants).

Recommandation de YLovePhoto

La plupart des appareils autorisent à enregistrer les deux formats en même temps. Profitez-en.

Ensuite, selon l’utilisation, vous choisirez. Je recommande de généralement travailler sur les JPEG (après tout, les ingénieurs ont fait de leur mieux pour que ces images soient convenables dans l’immense majorité des cas). Mais chaque fois que cela devient nécessaire, vous pourrez revenir au fichier RAW.

• pour sauver une image sur-exposée
• pour affiner le rendu et le piqué d’un tirage de grande taille
• pour corriger la dérive de couleur d’une photographie difficile (intérieur, montagne, coucher de soleil)

Vous aurez le meilleur des deux mondes avec le seul inconvénient de la taille, mais au prix où sont les cartes mémoire de nos jours…

Sources et compléments d’information

• PetaPixel: Why you should shoot in RAW
• These Are the Advantages and Disadvantages Of Shooting Raw (LightStalking)
• The Online Photographer: JPEGophobia
• Should you shoot in RAW or JPEG? (DIY Photography)
• Photoshop CS6 et le RAW par la pratique : comprendre les courbes
• RAW Software: What is Available and What Should You Use? (LightStalking)
• A RAW Feast on the Linux Darktable (Photo Editor)

Roger Pimenta on Facebook.
Le site web professionnel RejectionMedia, de Roger Pimenta.

J’ai donc rassemblé quelques excellents guides ou tutoriels qui résument bien (je pense) les possibilités de ces appareils dans le domaine de l’AF ou Auto-Focus.

• How to use autofocus with moving subjects (toutes les marques)
• Action photography: AF modes (for Nikon cameras)
• Canon 5D Mark III: Autofocus (AI Servo) for Birds in Flight
• Understanding Canon EOS 1DX Autofocus
• Sony A6000 and A5100 Autofocus Guide
• Sony: Autofocus (AF) modes

Bonne lecture !

Si vous allez voyager au Canada, en Scandinavie ou en Russie cet hiver (les nuits sont plus longues), vous serez peut-être tenté de figer la chose sur votre capteur. Mais saurez-vous comment réussir ces photo assez originales (peu de gens ont eu l’occasion de voir des aurores boréales aux latitudes ouest-européennes) ? J’en doute et c’est pourquoi j’ai rassemblé quelques articles à ce sujet.

Ils sont en anglais et je vais donc essayer de résumer leur contenu en quelques lignes seulement (il est vrai qu’il faudra prendre le temps de lire les originaux dans la langue de Shakespeare pour compenser mes approximations).

• Il vaut mieux un appareil au capteur sensible (un reflex à grand capteur sera avantagé), un objectif à grande ouverture (f/2.8 ou mieux, si possible) avec une courte focale (14 à 50mm, pour avoir un grand champ du ciel).
• N’ayez pas peur d’expérimenter, ni de recommencer avec des réglages variés.
• Commencez par 1600 ISO, f/2.8 et 15 secondes de pose (le trépied est obligatoire).
• Vérifiez les essais sur l’histogramme et tirez tout en RAW.
• La composition de l’image est importante et un premier plan est souvent critique pour une belle photo (les reflets dans un lac sont souvent très beaux, un rocher, une maison, un arbre habilleront le premier plan – il n’y a pas que le ciel dans la photo).

Et faites attention à rester aussi confortable (chaud) que possible.

Les articles eux-mêmes :

• Secrets to Shooting the Northern Lights par Grant Collier
• Northern Lights chasing in Iceland with the Nikon D810 par Jonathan Zdziarski (que tout le monde pourra apprécier, même sans appareil Nikon)
• How To Photograph The Northern Lights par Chris Brinlee Jr

Crédit photo Wikipedia.

Mais le froid est un peu l’ennemi de nos appareils photos (et des photographes). Alors voici quelques trucs et astuces glanés un peu partout auprès de photographes habitués à cette situation et qui ont bien voulu partager.

Matériel

La température de fonctionnement normal de la plupart de nos appareils est souvent située entre 0°C et 35°C. La plupart des appareils continueront à fonctionner en dessous de 0°C, mais les risques de blocage augmentent. Les appareils professionnels ont tendance à avoir un bien plus large plage d’emploi (leur prix… est large aussi) mais ils ont aussi besoin que l’on prenne soin d’eux.

Acclimatation

Évitez de passer directement de la voiture chauffée à la température extérieure (ou pire de rentrer au chaud un appareil qui vient de passer quinze minutes par -30°C) sans une transition progressive. Gardez le matériel pendant de longues minutes (plutôt une demi-heure) dans un sac qui allongera la transition le plus possible.
Certains produits sont étudiés pour cela (pour protéger un peu le matériel ou pour pouvoir le manipuler dans ses phases de transition) :

• Lenscoat BodyGuard Compact CB
• Poches de protection en néoprène – étui objectif en néoprène

Vous cherchez à éviter de produire de la condensation (les courts-circuits sont très dommageables pour l’électronique la plus solide) ou du givre (qui bloque les mécanismes). Attention au flash qui est encore plus sensible du fait de ses très hautes tensions électriques internes.

Quand les températures sont très basses ou pour rester tranquille, il est possible de toujours laisser le matériel (sauf les batteries) au froid. Attention à le laisser à l’abri de l’humidité et, aussi, des regards si vous êtes en zone « civilisée ».

En cas de condensation, n’attendez pas : on sort la batterie, on détache l’objectif et on laisse aérer dans un air le plus sec possible. Eviter les manipulations et de remettre les piles tant que toute trace de condensation ou d’humidité n’a pas disparu. Sans électricité, il y a très peu de risques de problème permanent.

Pluie ou neige

De ce qui précède, vous aurez vite conclu qu’il n’est pas bon (mais pas bon du tout) d’exposer son matériel à la pluie ou à la neige quand il fait froid. N’importe quoi ou presque (même un sac poubelle retenu par du gaffer) permettra de protéger l’appareil et son objectif.

Batterie

Allez de ce pas acheter un stock de batteries de rechange. Au froid, elles se déchargent à toute vitesse. Vous allez donc avoir besoin d’en changer très régulièrement. Donc il vous faut un stock.

Mais la manière la plus sure de garder une batterie en bon état est de la conserver à l’intérieur de votre vêtement (au chaud). Vous la sortirez uniquement quand vous en avez besoin. Quitte à échanger les rôles régulièrement.

(et n’oubliez pas d’avoir assez de chargeurs -ou de temps de charge- pour recharger trois fois plus de batteries que d’habitude ; rechargez aussi souvent que possible).

Objectifs

Toujours pour éviter les accidents avec l’humidité, évitez de changer d’optique à l’extérieur. Surtout s’il neige…

Pratique photographique

Le photographe doit être au chaud

OK ! Peut-être pas au chaud, mais suffisamment confortable pour ne pas grelotter (ça fait les photos floues ). Vous n’arriverez à rien si vous avez froid. Donc, prenez conseils auprès de ceux qui connaissent la région, et suivez leur conseils. De manière générale :

• Plusieurs couches de vêtements valent mieux qu’une.
• Comme vous allez continuellement passer d’une température à une autre, il faut aussi prévoir de pouvoir vous adapter très rapidement (enlever ou ajouter des couches).
• Ne poussez pas la protection trop loin : il vaut mieux éviter de transpirer parce que l’humidité va rapidement refroidir le vêtement le mieux isolé.

Mais pensez à deux facteurs que l’on oublie souvent :

• Un photographe reste très immobile ; les recommandations pour un sportif sont différentes (moins d’effort physique).
• En cas de vent, si vous ne pouvez pas vous abriter (par exemple en affût), les effets du froid sont rapidement amplifiés et il faut compter sur plus de protection.

Les gants

Essayez de manipuler de petits boutons soit avec les doigts engourdis par le froid, soit avec des moufles… Ma recommandation :

• une première couche en mini-gants en soie (très fins, très confortables et relativement chauds)
• Par dessus, vous mettrez des gants les plus épais possibles que vous trouverez confortables pour manipuler l’appareil : n’ayez pas honte emportez un appareil chez Décathlon pour essayer, ou alors, essayer de manipuler les boutons de votre téléphone. Vous vous rendrez vite compte.
• Éventuellement, des gants très chauds mais avec le bout de l’index soigneusement coupé pour pouvoir sortir le doigt. Pas chic, mais efficace. Et c’est là que vous retrouvez l’intérêt du gant en soie à l’intérieur.

Les gants en soie sont souvent fragiles (mais pas cher), alors n’hésitez pas à prendre trois paires (pour le prix de deux ?)

Le sac

Plus que jamais, vous voulez un sac facile à ouvrir (avec des moufles, vous vous souvenez) et facile à transporter.

Prévoir

Moins qu’autrement, vous n’aurez pas droit de revenir en arrière pour recommencer. Alors, planifiez, prévoyez, organisez-vous. Pensez aux photos que vous voulez faire et choisissez votre matériel en fonction de cela. Choisissez la focale. Choisissez la sensibilité. Choisissez vos vêtements.

Expérimenter

L’hiver les sujets sont souvent plus lents. Profitez-en pour expérimenter. Changez de vitesse d’obturation et de diaphragme. Changez de sensibilité. Changez de cadrage.

Exposer

La lumière peut être piégeuse, alors n’hésitez pas à shooter en RAW pour avoir plus de marge de manœuvre au moment du tirage.

Sur la neige, il faut souvent surexposer pour garder une surface bien blanche malgré la cellule qui se laisse surprendre et veut la rendre grise. 1 diaphragme. Parfois 2. Surveillez l’histogramme si l’appareil vous le montre. Ou faites un peu de bracketing (3 ou 5 expositions avec des écarts d’un 1/2 diaphragme, par exemple).

Vues les difficultés à juger sur un petit écran, ne détruisez aucune image « au cul de l’appareil ». Attendez de revenir sur un écran d’ordinateur.

Corriger

De retour sur l’ordinateur, vous allez choisir la meilleure exposition (celle où il n’y a ni blancs cramés, ni noirs noyés dans l’encre). Puis vous pourrez la corriger légèrement.

Si vos images sont molles, vous pourrez toujours renforcer les noirs. Parfois, un peu de contraste en plus. Mais n’oubliez pas que l’atmosphère si spéciale de l’hiver est aussi faite des ces grandes étendues blanches avec seulement quelques repères qui contrastent.

Regarder

Cherchez votre sujet, mais n’oubliez pas que vous avez peut-être laissé apparaître des traces de votre passage : vos propres pas sur la neige sont-ils les bienvenus sur la photo ?

Effacer la neige qui tombe

Quelques flocons vont peut-être perturber une image. N’oubliez pas d’utiliser le tripode pour employer une vitesse lente : les flocons vont disparaître s’ils ne sont pas trop nombreux.

Et le plaisir !

N’oubliez pas votre petit confort : ayez un thermos de boisson chaude. Il n’y a pas mieux pour se remonter le moral quand les conditions ne sont pas idéales ou quand le froid commence à être trop présent.

Alors, je vous recommande une petite visite au Blog de Glace (de Grand Nord Grand Large) où elle nous recommande un article qui est à lire par tous les photographes (y compris ceux qui -comme moi- ont froid aux doigts en dessous de 10°C) : « Prendre une photo ? Ou faire une photo ? » est un de ces articles superbement illustré mais agréablement écrit. Il nous rappelle que ce n’est pas l’appareil qui fait la photo mais le photographe qui prend la photo.

Via Marion Jonchères (ice-altitude.com).

photo credit: Tarun K Photography

Il n’y a alors qu’une solution : préparez-vous !

• Explorez les lieux : sachez où vous vous rendez, utilisez Google Maps et Google Earth pour connaître la topographie, les reliefs, la place des monuments, les routes et les rues qui mènent d’un lieu à un autre.
• Orientez-vous : les mêmes outils vous permettront de repérer de quel côté vous placer en fonction de l’ensoleillement si vous souhaitez réaliser des photos à contre-jour ou au lever du soleil.
• Inspirez-vous : il n’y a pas de mal à utiliser Flickr pour savoir ce que les autres voyageurs ont rapporté d’un lieu que vous ne connaissez pas encore. Reconnaissez les clichés habituels et découvrez-en quelques uns qui le sont moins : vous rapporterez le l’image que tous attendent à votre retour et quelques bonnes surprises (même si vous ne resterez peut-être pas assez longtemps pour explorer toutes les possibilités d’un sujet).

Mais il y a aussi un moyen pour aller plus loin qu’en étant préparé : ayez un guide pour vous accompagner. Cela présente plusieurs avantages :

• Un guide connait tous les coins et recoins de votre destination : vous ne serez jamais aussi préparé que lui.
• Choisissez un guide qui sait ce que photographier veut dire. La plupart d’entre eux ne savent que vous amener à un lieu. C’est particulièrement vrai pour des voyages difficiles du point de vue de la photographie comme les safaris photo : votre guide devra savoir se placer (ou placer le véhicule) au bon endroit, il devra accepter de rester longtemps en un même lieu, à proximité d’un même animal ; il devra accepter de se lever tôt le matin et de ne pas s’arrêter dans les lieux de tourisme les plus courus. De ce côté, les agences spécialisés sont une mine à explorer, mais vous voudrez peut-être discuter avec le guide (même sur Skype).

photo credit: SPM435
• Vous pourrez vous concentrer sur la photographie sans avoir à vous préoccuper exagérément du reste (il ne sera pas un garde-du-corps, mais il vous évitera d’avoir à regarder derrière vous pendant les shoots).
• Dans certains cas, un guide sera un moyen d’accéder à des lieux inaccessibles autrement : une cérémonie religieuse, un lieu éloigné, une zone hors-piste accessible uniquement sous conditions, etc.

Néanmoins, pensez aussi à prendre du temps pour respirer, pour goûter les lieux. Ne restez pas le nez dans le viseur toute la journée et pensez à regarder autour de vous, à profiter plus largement. Si vous êtes en famille, faites aussi participer vos proches : je recommande de vous assurer que tout le monde dispose d’un appareil photo (pour mieux partager) et que même les enfants participent (par exemple en leur proposant de poser dans une photo : un ami emmenait toujours un grand cadre de bois doré que ses enfants utilisaient pour créer des photos « recadrées » avec le monument et eux-mêmes ; un jeu infini à plusieurs).

1. Couleur : même si les feuilles sont déjà colorés, photographier au coucher ou au lever de soleil va ajouter un petit peu de couleur et cela sera toujours plus naturel que l’explosion colorée apportée par un filtre de saturation dans Photoshop.
2. Couleur : Le vert est aussi une couleur, alors pensez à construire des oppositions de couleur.
3. Filtre polarisant : en réduisant la réflexion spéculaire de la lumière, certaines couleurs seront amplifiées par l’usage d’un filtre POL-C.

photo credit: samenstelling
4. Arrière-plan : comme toujours, vérifiez votre arrière-plan et s’il n’apparait pas comme parfaitement adéquat n’oubliez pas d’ouvrir le diaphragme pour le noyer dans un flou élégant.
5. Vitesse : s’il y a du vent, même léger, augmentez la vitesse du déclencheur pour le corriger.
6. Vitesse : s’il y a une rivière, un torrent ou un objet mobile, baissez la vitesse du déclencheur pour les rendre flous.
7. Trépied : si vous tirez des photos sous les arbres, vous allez sans doute manquer de lumière for des vitesses rapides, alors prenez un trépied.
8. Eau : les feuilles ont meilleure allure quand elles sont couvertes d’un peu d’eau (il peut s’agir de la pluie ou d’un peu d’eau que vous avez apportée vous-même).
9. HDR: la plupart des photos de forêt sont soumises à des contrastes considérables entre les zones les plus sombres et les zones les plus lumineuses (en particulier, quand le sujet est à contre-jour). C’est exactement le moment d’essayer les techniques de HDR (High Dynamic Range).

Vous avez peut-être déjà vu cette photo (je l’ai trouvée sur un site FTP dump). Je vous invite alors à m’indiquer qui est son auteur.

1. Quand ? Le brouillard n’apparait pas dans n’importe quelles conditions mais il est relativement prévisible. En gros, vous aurez un matin brumeux si la veille a été une journée relativement chaude avec une nuit froide et sans vent. Il a tendance à s’accumuler dans les creux du terrain (vallée, dépression, etc.) qui favorisent le brouillard de radiation nocturne et les zones côtières présentent souvent une source de vapeur d’eau et un fort potentiel de perte de chaleur sur terre.



2. Comment ? Utilisez l’histogramme pour exposer « à droite ». En effet, l’appareil va avoir tendance à sous-exposer pour obtenir un gris moyen alors que la réalité que vous essayez de capter est plutôt blanche. Dans certains cas, vous allez simplement utiliser une surexposition de 1 EV ou 1,5 EV.
3. Contre-jour : Même si vous ne voyez pas spécialement le soleil favorisez l’orientation « contre-jour ».

photo credit: 1suisse
4. Silhouettes : Le brouillard va être l’occasion de découper des silhouettes sur un fond clair.
5. Surfaces : La brume a tendance à dessiner des surfaces nettement découpées pour les différents plans de l’image.
6. Rayons : Dès que le soleil est disponible et commence à percer les derniers lambeaux de brume, surveillez le moment où vont se découper des rayons de lumière.

Il est rare d’avoir un article aussi simple et complet (y compris les sources d’information complémentaire) que celui qui nous est offert par Claude Busque du Club Photo Beauce de Chaudière-Appalaches.

Un filtre UV est-il utile ?

Tout d’abord, je voudrais démontrer une nouvelle fois l’importance de disposer d’un filtre de très haute qualité plutôt que du premier plastique venu. On le néglige trop, le filtre vient réduire la qualité de nos images et plus l’objectif est de qualité, plus ce serait regrettable. Pour bien en mettre en évidence l’impact, LensRentals a fait l’essai d’empiler 50 filtres sur un même objectif. Le résultat est immédiatement parlant, sans même zoomer à 100% :

Mais même un seul filtre dégrade la qualité de l’image.

Par contre, si l’on veut comparer l’impact ou la différence d’impact entre un filtre pro et un filtre grand public, il faut essayer 5 filtres UV pro et 5 filtres UV bas de gamme. Là aussi, il n’y a pas à réfléchir :

J’insiste : ce dernier test n’utilise que 5 filtres UV (pas 50 !) mais le résultat est perceptible même si vous ne cherchez pas à le voir. Avec un seul filtre, c’est moins net, mais vous pouvez faire le test vous-même et constater que les filtres sont à utiliser avec circonspection.

Comment fonctionne un filtre polarisant ?

Même si vous ne comprenez pas l’anglais, la vidéo suivante montre un filtre polarisant à gauche et un filtre gris neutre à droite. Ca peut aider à mieux comprendre.

Source : PetaPixel.

Pendant des années, on a vu des filtres ronds et des carrés, des portes-filtres, des gélatines de couleur ou grises, des dégradés, des empilements, des objets curieux et colorés dont on entendait qu’ils servaient à renforcer le ciel, les nuages, l’herbe, les arbres, les glaciers de montagne, les reflets des lacs et qu’ils servaient à adoucir le ciel, les nuages, l’herbe, les arbres, les glaciers de montagne, les reflets des lacs. Bref, sauf quelques spécialistes vénérés, respectés autant que les grands prêtres mayas (apparemment sans que ces photographes spécialistes n’aient à recourir au sacrifice humain plus que leurs contemporains), personne ne savait vraiment à quoi cela servait. OK ! J’exagère. Il y avait quelques recettes retenues par les uns ou les autres, mais l’ensemble restait bien incompréhensible.

Avec l’arrivée de la photographie numérique tout à changé : Photoshop ou The Gimp ou tout autre logiciel permettait de remplacer tous les filtres de couleur et le photographe a pu jeter tout son stock de filtres et passer à des choses plus simples (ou plus compliquées, c’est selon). On s’est précipité dans les modes d’emploi logiciels.

Mais c’était une erreur ! S’il est exact que l’immense majorité des filtres sont contenus dans le moindre Photoshop-like, ce n’est pas le cas de tous. Les filtres de couleur sont standard dans Photoshop. Les dégradés sont enfantins à réaliser. La correction des couleurs, la correction de l’exposition, tout cela est plus facile sur Photoshop qu’avec une volée de gélatines fragiles posées sur un porte-filtre compliqué et cela se fait de manière aisée à rattraper si on se trompe.

Mais il y a deux filtres incontournables (et je ne parle pas de l’inutile filtre anti-UV qui ne sert qu’à protéger la lentille frontale) que l’informatique ne peut guère remplacer :

• Le filtre polarisant
• le filtre gris neutre très dense

Polarisant

Un polarisant filtre sélectivement la lumière en fonction de sa polarisation (une propriété physique peu visible en général mais qui est très mesurable sur la lumière réfléchie). Le filtre va pouvoir réduire la luminosité des reflets sans toucher au reste de l’image, un truc inaccessible à Photoshop par principe. Cela joue aussi sur un certain nombre d’autres situations dont la densité du ciel qui varie en fonction de l’angle avec la lumière du soleil.

Les effets d’un filtre polarisant sur le ciel dans une photographie. L’image de droite utilise un tel filtre.

S’il vous faut un seul filtre, ce sera un polarisant.

Une seule remarque : si vous avez un vieux polarisant qui date de l’époque du film argentique, vérifiez d’abord que c’est un polarisant circulaire. En effet, les polarisants linéaires, plus anciens et moins chers, fonctionnaient bien avec le film argentique mais sont incompatibles avec les capteurs numériques. A savoir, mais on ne vend plus aujourd’hui que des filtres polarisants circulaires.

Gris neutre dense

L’autre filtre utile est un filtre gris neutre à haute densité. Un filtre gris neutre pale (vous voyez à travers) n’est guère utile avec la considérable gamme de sensibilité de nos appareils photo : il suffit de décaler un peu l’exposition ou la sensibilité (ou de faire de même avec Photoshop, toujours). Par contre, si vous allez chercher un ND400, vous remarquerez que s’il est encore possible d’apercevoir quelque chose à travers, on est passé à un autre stade. Le filtre est tellement dense que c’est comme si vous aviez une sensibilité qui tombait très nettement en dessous des habituels 100 ISO. Conséquence : des poses longues même en plein jour : Au lieu de 1/200s, vous allez avoir besoin de 5s de temps de pose (1000 fois plus). Bienvenue aux filets de mouvement même sur des objets lents et en plein soleil.

L’application la plus courante (ou la plus couramment utilisée) est alors le paysage dans lequel on a incorporé le flou de mouvement de la mer ou d’une rivière, comme dans les exemples ci-dessous.

photo credit: -Chiotas-

photo credit: ciccioetneo

photo credit: dahon©

Attention !

Pour répondre à une question de Sébastien, je me permets de rappeler les précautions élémentaires quand on utilise un filtre.

• Utiliser un filtre de bonne qualité : vous avez choisi une optique de luxe avec des lentilles en fluorine ou en verre ED ; ne mettez pas n’importe quel bout de plastique devant si vous ne voulez pas gagner des effets supplémentaires (comme distorsion optique et aberration chromatique). Malheureusement, le prix est à l’avenant.
• Si vous utilisez un grand angle (c’est souvent le cas en paysage, non ?), prenez un filtre à rebord très fin pour qu’il ne vienne pas obturer le champ (et créer une léger vignetage). Là aussi cela a un prix (surtout pour les polarisants qui sont mécaniquement plus complexe).
• Pour les filtres gris neutres, attention à la dérive chromatique introduite par les filtres les plus denses et les moins chers. C’est souvent rattrapable par le logiciel, mais il est à noter que le filtre gris peut être un peu bleu ou un peu orange (selon les marques).

Alors ? Deux filtres dans le sac, ce n’est pas compliqué.

Évidemment, avec cinq optiques, vous risquez d’avoir cinq diamètres de filetages différents. Mais c’est infiniment moins que par le passé.

photo © 2009 Amaury | more info (via: Wylio)

1. Connaissez les lieux : vous pouvez utiliser une carte et aller voir sur place, mais soyez préparé parce qu’il y aura beaucoup de monde et se déplacer à la dernière minute ne sera guère possible ; soyez sûr de savoir où vous voulez être (et soyez en avance).
2. Pas de flash : ça ne sert à rien pour les feux d’artifice, cela ne peut qu’illuminer un objet au premier plan (avec toutes les difficultés d’équilibrage de la lumière que cela implique). Il est plus simple/meilleur d’utiliser l’ombré des objets au premier plan, si elle est facilement reconnaissable.
3. Un trépied : il fait nuit, il y a de la lumière mais pas assez. Les ouvertures seront grandes et les vitesses lentes. Le trépied doit être robuste et très stable (évitez aussi d’être sur le chemin des passants ou dans le vents : deux causes de photos floues).
4. Pas d’autofocus : Faites la mise au point à l’infini, passez en manuel et oubliez le sujet.
5. Vitesse lente : Plus la vitesse sera lente, plus il entrera de lumière dans l’appareil (n’exagérez pas : plusieurs fleurs de feu, ça fait élégant ; un paquet confus de couleurs ne sera sans doute pas lisible).
6. Expérimentez avec les ouvertures : si vous avez des objets en premier plan, n’hésitez pas à essayer diverses ouvertures pour varier les profondeurs de champ.
7. Une lampe de poche : la nuit, on n’y voit pas grand chose.
8. Tout sous la main : Batteries et cartes Flash doivent rester facilement accessibles et prêtes à l’emploi (le mieux, sans lumière, reste les poches de vos vêtements).
9. Ne vérifiez pas les images sur le LCD : vous n’aurez pas de temps à perdre à ça, faites des photos, vous regarderez plus tard. (Option : vérifiez les 2 premières images pour vous rassurer, puis rien avant la fin).
10. Cadre : pensez à essayer différentes compositions et plusieurs cadrages (panoramique, vertical, etc.)

Et amusez-vous bien !

1. Il n’y a pas de lumière : Dans la plupart des lieux de concert (surtout les plus petits), il fait très sombre. Comme spectateur, vous avez peut-être parfois l’impression que la scène est baignée de lumière, c’est tout simplement une impression fausse. Si certaines techniques d’éclairage sont très sophistiquées, elles sont chères à employer et même les plus grandes scènes de niveau international ne sont pas suffisamment éclairées pour le photographe. Prenez une focale fixe avec une grande ouverture de niveau pro : ça ira à f/2,8, f/2 sera encore mieux (vous verrez la différence). Recommandation : commencez avec un 50mm ou un 80mm acheté d’occasion pas trop cher.
2. Tirez toujours en RAW: Les logiciels de traitement d’image vont permettre de compenser les énormes écarts de balance des blancs et d’appliquer les algorithmes les plus sophistiqués pour la réduction du bruit (comme vous allez devoir utiliser des gros ISO, vous êtes très exposé au bruit numérique).
3. Passer en mode A – priorité à l’ouverture – (or ou M/Manuel si vous êtes à l’aise avec ce dernier) : Vous voulez rester tout le temps à la plus grande ouverture de votre objectif et un automatisme qui ferait varier l’ouverture ne fera que vous faire rater des photos.
4. Utilisez la sensibilité ISO maximale que votre appareil est capable de tenir en restant à un niveau de bruit acceptable (par vous). Vous n’aurez jamais assez de sensibilité, alors fixez-vous une limite est restez-y.
5. Utilisez le capteur central AF : Il est le plus efficace et vous en aurez besoin pour faire avec les contrastes invraisemblables et les basses lumières qui sont un piège redoutable pour votre autofocus.

JerkSystem à l’Elysée Montmartre
Copyright (C) Yves Roumazeilles

Étiquette

Il y a un vilain petit secret que les photographes de concert ne partagent généralement pas avec vous : tout se joue autour de l’étiquette (c’est parfois pire qu’à la cour du Roi Soleil). Je devrais peut-être plutôt parler de règles ? ou même de lois ? Cela n’est pas immédiatement perçu par le public, mais les règles doivent être appliquées à la lettre. Il faut les connaître.

• Ne faites pas ch… la Sécurité : les videurs ont un rôle important : ils sont là pour la sécurité du public et des artistes. Vous allez être continuellement dans leurs pattes, alors soyez aussi discret que possible. Et poli. Et obéissant. Une des pires choses à faire est de se balader dans tous les sens ; restez là où vous êtes, ne quittez jamais le pit ou vous allez vite être identifié comme un emm…deur.
• Ne faites pas ch… les autres photographes : Une nouvelle fois, se déplacer reste difficile et désagréable pour les autres photographes. Même s’ils vous connaissent et vous aiment bien, vous allez vite les énerver (ou pire) si vous sautez partout comme un cabri. Choisissez votre coin et restez-y.
• Ne faites pas ch… les fans : Ils ont payé pour être là. Si vous devez absolument les gêner à un moment, faites vite, très vite, et dégagez. S’il y a des moments ou la musique est très douce, ne tirez pas de photo. En aucun cas vous ne voulez votre déclencheur entendu par le public (ce n’est sans doute pas un problème pour un concert de heavy metal, mais il n’en va pas de même en musique classique pour pour le jazz). C’est plus facile qu’on ne le croit de se faire virer du pit…
• Une règle au dessus de toutes les autres : 3 chansons, pas de flash. Certains concerts admettront peut-être des exceptions à cette règle universelle, mais respectez-là TOUJOURS, sauf avec une confirmation explicite et répétée de la part du management de la salle de concert. Dans la plupart des cas, la Sécurité viendra vers vous à la fin de la troisième chanson. Simplement, remballez vos affaires. Ne discutez pas, n’essayez même pas de voler une ou deux photos supplémentaires. Et, bien sûr, pour éviter le flash, il n’y a pas mieux que les appareils qui n’en sont pas équipés (aucun risque d’erreur).
• Votre badge pit ou photo n’est pas un badge backstage. Alors, n’essayez pas d’énerver la Sécurité en allant dans la mauvaise direction.

Quand vous avez fini, vous pouvez partir poliment, mais il est généralement possible de rester pour la suite du concert. Je vous le suggère. 3 chansons de photo intensive ne vous permettent pas d’écouter la musique ou de regarder le spectacle. Restez et profitez du concert avec les fans. Vous en êtes peut-être un ou vous pourriez en devenir un.

1. Normal : appui avec le doigt sur le déclencheur
2. Déclencheur souple (remote shutter)
3. Déclencheur souple et miroir relevé (mirror lockup enabled)

DSLR Mirror Vibration from Camera Technica on Vimeo.

Conclusion : faites comme tous les photographes de paysage qui veulent une image parfaitement « piquée » : utilisez un trépied, relevez le miroir et utilisez un déclencheur souple (et attention au vent).

La course automobile (ou la course moto) constitue assurément un lieu de prédilection pour photographier un sujet d’exception : couleurs vives, métal brillant, expertise technique, intense concentration de la compétition, tout y est. Alors, voici quelques trucs pour démarrer dans les meilleures conditions.

1. Matériel : accrédité ou pas, vous serez certainement loin de la piste, il convient donc de s’équiper avec une longue focale (200mm mini, 400mm souvent souhaitable si vous voulez accrocher des détails).
2. Préparation avancée : idéalement, il faut se rendre sur les lieux avant la course pour « prendre ses repères » (à noter, il est souvent beaucoup plus facile de se déplacer autour d’un circuit lors des essais officiels quelques jours avant la course), et vous pourrez en profiter pour faire des photos tout à fait complémentaires parfois dans de meilleures conditions.
3. Compétition : il s’agit d’une course donc il faut essayer de saisir cet esprit. Pensez à photographier préférentiellement plusieurs voitures simultanément (dans les virages, c’est plus facile) surtout dans les phases de dépassement.
4. Vitesse : tout va très vite, alors, choisissez une vitesse d’obturation élevée (au moins 1/1000s quand la voiture passe devant vous, peut-être 1/250s quand la voiture vient vers vous dans une courbe à basse vitesse).
5. Autofocus : choisissez absolument le mode AF continu ou AI-Servo ; les bolides sont très rapides et constituent le piège le plus courant pour un autofocus, même performant.
6. Stands : pensez à regarder ailleurs que sur la piste. Les stands sont un lieu où il se passe tout le temps quelque chose. Mieux, sur la plupart des circuits, l’arrivée d’une voiture dans les stands est signalée par un coup de klaxon pour les mécaniciens.
7. Podium : n’oubliez pas de photographier le vainqueur, soit sous le drapeau à damier, soit sur le podium final.

Le conseil supplémentaire : l’accréditation est un vrai problème pour toutes les grandes courses automobiles. Par exemple, sans à la fois être un pro, disposer d’une belle collection de travaux, être poussé par un organe de presse influent, il est pratiquement impossible de recevoir une accréditation pour une course comme les 24 heures du Mans. Par contre, il est possible (souhaitable ?) de pratiquer dans des conditions moins contraignantes que l’on rencontre sur les grands circuits mais lors de manifestations moins connues, sur des circuits locaux ou même sur des circuits de karting.

1. Organisez l’espace : un hélicoptère est un tout petit espace, déjà encombré. Dès que vous montez, installez votre matériel de manière à ne rien gêner. Ne touchez pas aux commandes si elles sont accessibles, même en manipulant votre sac. Vérifiez au sol comment vous pouvez changer d’objectif en toute sécurité si vous envisagez de le faire en vol.
2. Attachez tout : un hélicoptère, ça bouge, ça penche, ça tangue, ça vibre et c’est loin du sol. Calez le sac (mieux attachez-le), soyez sûr que la courroie de l’appareil est autour de votre cou.
3. Ouvrez la porte : cela va dépendre de l’appareil (et du pilote) mais si c’est possible, prenez un blouson coupe-vent et ouvrez la porte pour ne pas avoir d’obstacle situé entre votre objectif et le sujet.
4. Surveillez les pales : après tout, on les oublie facilement, mais les pales entrent souvent dans le champ d’un objectif standard ou grand angle. Soit vous les ferez apparaître volontairement (attention à bien choisir la vitesse de déclenchement pour le meilleur effet), soit vous voudrez vous assurer qu’elles restent bien en dehors du cadre.
5. Choisissez votre angle : évitez de viser loin à l’horizon (avec les inconvénients de la brume atmosphérique) et profitez de la situation surplombante pour essayer des cadrages soit légèrement en plongée, soit parfaitement à la verticale sous l’appareil.

Au delà des astuces, un conseil : profitez-en bien. Tirez des photos à volonté, mais réservez-vous aussi une pause pour regarder autrement qu’à travers l’œilleton du viseur.

• Controlling Your Photo’s Background: Part I and Part II
• How to photograph 7 wine bottles on a white background (a video from learnmyshot.com, with a very good demonstration of studio lighting):
  
• How to photograph one Champagne bottle on a white background (another video from Stephen Hermitage, with another very good demonstration of studio lighting):
  
• PetaPixel: Secrets of Food Styling and Photography
• Fotogénico, pero no comestible. « Cocina y fotografía son una combinación que a algunos les parecerá sencillamente insuperable » (en Español).
• Food photography : comment faire saliver vos lecteurs ! un article passablement intéressant sur un blog de fille photographe. Ne vous laissez pas arrêter par le côté rose bonbon ; tout le blog est vraiment bien, y compris les porjets de photo chaque semaine.
• Pour les spécialistes (ou les acharnés), j’apporte aussi quelques éléments pour faire de la photographie à très grande vitesse (pour figer le mouvement d’une balle ou d’une explosion) :
  • Bullet Photography At Home
  • DIY High Speed Photography for $20
  • Portrait photography resources apporte huit liens vers des sites web particulièrement utiles au photographe de studio.
• Ten Tips for Shooting Studio Portraits
• How to Take a Perfect Head Shot with a Single Light
• Light Stalking Ten Tips for Shooting Studio Portraits
• jakegarn: The art of the pose

photo © 2009 Autumn & Phill M. | more info (via: Wylio)

Les Y-trucs de ce mois sont donc consacrés à nous aider à passer à la vitesse supérieure pour que nos photos soient à la hauteur de l’intérêt que nous portons à ce sujet si proche.

1. Choisissez le meilleur moment : profitez du fait que votre modèle vous est proche pour choisir le moment où il est le plus disponible, le plus coopératif.
2. Descendez à hauteur du sujet : comme pour beaucoup d’autres sujets, l’animal est mieux photographié à hauteur d’œil, même si cela veut dire qu’il vaut mieux se coucher au sol ou photographier un animal qui est monté sur un meuble.
3. Surveillez l’arrière-plan : à la maison ou en extérieur, le fond de l’image peut perturber sa lecture. Choisissez un arrière plan adéquat, ou utilisez une grande ouverture pour le rendre flou.
4. Incluez son environnement : choisissez un beau lieu qui est représentatif de l’animal et ne cadrez pas trop serré (un champ ou une plage, par exemple).
5. Verrouillez le cadre : à l’opposé, vous pouvez vous approchez énormément d’un animal qui est coopératif. Pourquoi ne pas tenter la photo d’un détail (un oeil, une oreille, un bout de queue) ?
6. Composez une scène : encore une fois, comme votre animal est plus coopératif que le chat du voisin, profitez-en pour essayer la mise en scène. Mais soyez sûr de tout préparer avant d’amener l’animal ; il sera moins patient que la plupart des modèles humains.

Faire une photo, c’est avoir une attitude constructive devant toute image. Il convient de choisir son cadrage, de choisir son exposition, de choisir sa profondeur de champ, de choisir l’instant exact. Ainsi, je ferai ma propre photo plutôt que de prendre ce qui se présentait.

Et toute photo peut avoir cette objectif de qualité. Il n’y a pas de photo à prendre, il n’y a que des photos à faire. Merci Ansel Adams.

photo credit: Dinh Huynh

Alors, retenons quelques conseils pour garantir les meilleures conditions photographiques possibles dans le grand froid.

1. Protection contre la buée : le froid produit de la buée chaque fois que le matériel change violemment de température. Dans un chalet, il fait chaud dans une atmosphère pleine d’humidité ; Dehors, il fait froid avec un air sec. Utilisez un sac de congélation pour emballer appareil et objectifs et les laisser au sec de l’extérieur quand vous rentrez. N’oubliez pas de retirer la batterie à recharger ou la carte-mémoire sur le seuil de la porte.
2. Protection contre la neige : comme pour la pluie, il faut se méfier de l’humidité qui tombe directement sur l’appareil. S’il est tropicalisé, c’est tant mieux. Sinon, craignez la neige autant que la pluie. C’est plus joli, mais ça mouille autant les contacts.
3. Réserve électrique : il vous faut des batteries supplémentaires ; dans le froid toutes les batteries perdent leur autonomie apparente. On conseille de garder les batteries en attente d’emploi au chaud (près du corps), mais surtout doublez toutes vos habitudes en matière de stock de batteries de rechange.
4. Protection du photographe : Il n’y a pas que le matériel qui souffre du froid. Pensez à vous habiller pour rester au chaud et au sec. Vous ne ferez pas de bonnes photos si vous grelottez et attrapez un rhume. Sans oublier que l’on se refroidit plus vite si l’on ne bouge pas.
5. Protection du photographe : plus particulièrement soignez les gants qui doivent être aussi chauds que possible mais avoir les extrémités aussi fines que possibles (pour garder une bonne sensibilité sur les commandes du matériel). Consultez les magasins spécialisés dans les sports alpins pour rencontrer les produits techniques adaptés à cet environnement.
6. N’oubliez pas la lumière : c’est le piège le plus courant sur la neige, il faut sur-exposer de +2 diaph quand la neige est dans votre viseur. Le capteur d’exposition essaye de faire un gris moyen et avec toute cette neige blanche, il va férocement sous-exposer dans ce but. Il faut compenser.

Bonnes photos glacées ! Et montrez-nous les résultats soit sur la page Facebook, soit sur le groupe Flickr.

photo credit: kevindooley

La cause du bruit numérique est dans le capteur lui-même. Sauf à disposer d’un capteur à très faible température (c’est ce que font les astronomes), l’agitation thermique des électrons dans le matériau du capteur va provoquer de fausses valeurs de couleur dans le capteur. Ces points sont corrigés (en partie seulement) par le logiciel de l’appareil photo, mais nous pouvons aider celui-ci.

• Utiliser les petits ISO : plus on monte en sensibilité, plus cela devient difficile pour le capteur qui doit amplifier de petits signaux. Attention en particulier au mode « ISO automatique » qui va peut-être emmener certaines photos à des niveaux incompatibles avec la qualité que vous attendez. Certains reflex Nikon comme le D7000 permettent de fixer vous-même les limites en ISO du mode auto ISO ; c’est bien. La limite à ne pas dépasser dépend beaucoup de votre appareil, mais aujourd’hui, 400 ISO restent très (trop) difficiles pour un compact, seuls les reflex APS-C les plus modernes peuvent envisager sereinement 800 ISO, les reflex semi-pro et pro vont plus loin. Mais attention : les générations plus anciennes (l’an dernier !) peuvent être limitées à un ou deux crans plus bas.
• N’oubliez pas le mode de réduction de bruit de l’appareil : c’est particulièrement vrai pour les poses longues (plus que 1/10s) et presque tous les appareils incluent un mode spécialisé pour l’identification du bruit dans les poses longues, mais il n’est parfois pas sélectionné dans le menu.
• Gardez votre appareil au frais : on l’oublie trop souvent, il s’agit d’un bruit thermique. Plus le capteur est chaud plus le bruit est élevé. Donc, laissez l’appareil au frais. Dans les cas où vous utilisez le mode LiveView ou le mode vidéo, laissez un peu de temps (une minute ?) pour que le capteur refroidisse après ces utilisations continues et intensives avant de vous lancer dans une image à bas bruit.

Après cela, il ne restera que Photoshop, GIMP ou tout autre logiciel pour réparer ce qui a été enregistré par le capteur.

« 2011, Neiges et Glaces du Monde » est un projet de Marion Jonchères, alpiniste, sportive, aventurière de l’extrême. Pendant une année, cette frêle jeune femme va affronter le froid et l’altitude dans des courses à la conquête de sommets glacés partout dans le monde, sur tous les continents.

Mais Marion est aussi photographe ; c’est pourquoi nous lui avons demandé de venir nous donner ses conseils pour la photographie en (haute) montagne. Ils seront aussi applicables en dessous de 6000m, bien sûr.

Vous pouvez suivre son aventure sur son blog ice-altitude.com.

Quand Yves m’interroge sur les particularités de la photographie de montagne, je lui demande : quelle photographie de montagne ? Celle de l’admirateur qui utilise son appareil depuis la terrasse d’un café qui fait face aux cimes ? Mmh… Ou celle d’une pratiquante assidue, pour qui l’appareil fait partie intégrante du matériel d’alpinisme ? Avec, évidemment, quelques contraintes… Voici quelques enseignements que je tire de ma modeste expérience d’amateur.

• • Privilégier un boîtier aussi compact et léger que possibleN’oubliez pas qu’il faut porter le matériel et que celui-ci ne doit pas gêner la progression. Le matériel est rangé dans le sac ou porté sur soi, dans la veste ou en bandoulière. Appareils délicats, s’abstenir !
    Pour ceux qui partent en trekking ou en expédition, pensez aux batteries de rechange ou chargeurs solaires. Les plus prévoyants prendront plusieurs cartes de mémoire, histoire de ne pas perdre tous les clichés en cas de chute malencontreuse de l’appareil en crevasse ou dans une rivière…
  • Utiliser un filtre UVLa densité en ultra-violets (UV) augmentera avec l’altitude. La neige a un effet éblouissant. Le filtre UV (Skylight 1A ou 1B) aide à modérer ces effets. De plus, il protégera l’objectif si, comme moi et pour gagner en rapidité, vous ne remettez pas le capuchon à chaque photo.
  • Privilégier le grand angle et laisser le téléobjectif à la maisonLe grand angle (jusqu’à 18 mm) permet de prendre du recul par rapport à des montagnes parfois imposantes et capture mieux l’impression que vous retirez devant une chaîne ou dans un cirque… On aimerait parfois avoir recours au panoramique !

    Pour les images de votre compagnon de cordée en pleine action, oubliez le téléobjectif sauf si vous voulez vérifier qu’il a fixé ses crampons ou son casque correctement. On appréciera toutefois une focale légèrement grossissante (135 mm) qui permet de centrer une photo sur le personnage tout en gardant une certaine profondeur d’image.

    Si vous voulez suivre la progression de camarades sur une montagne ou repérer un itinéraire, prenez plutôt des jumelles ; c’est moins lourd et plus efficace qu’un téléobjectif.

  • De la difficulté de capturer l’inclinaison réelle d’une paroi rocheuse ou d’une pente de neige / de glaceLa paroi est verticale et la pente de neige inclinée à plus de soixante degrés, et pourtant votre leader, au-dessus de vous, semble marcher à quatre pattes ? C’est la principale difficulté d’une image de la progression de la cordée. Il faut essayer de photographier un personnage sensiblement à la même hauteur que vous (en veillant à prendre son meilleur profil !), le ciel ou d’autres montagnes en fond faisant ressortir la position du personnage et l’inclinaison de ce à quoi il s’attaque. Des photos en contre-plongée peuvent être réussies sous réserve de garder une ligne de fuite (une langue de glacier, une moraine…).

• Oubliez les contre-joursSauf à vouloir figurer différents plans de chaînes se succédant à l’horizon, la montagne y est particulièrement moche, écrasée par la lumière, la roche devenant noire, sans aucun des contrastes que l’on obtient avec un éclairage favorable.
• Quelle est la plus belle lumière ?Question très personnelle… Si les couchers de soleil peuvent donner de magnifiques couleurs, notamment dans les teintes rosées, les couleurs du lever sont pour moi les plus belles. L’orange du matin sera plus chaud que celui du soir et l’atmosphère plus claire. On notera aussi avec intérêt les lumières pastels particulières d’un après-midi d’hiver, telles l’abricot ou la pêche : un régal (au figuré) !
• Pour en mettre plein la vue à vos amisVous venez de gravir un couloir de neige d’inclinaison somme toute encore modeste ? Alors redescendez vite et photographiez le couloir / la montagne de face en vous en éloignant assez sensiblement : vos amis croiront que la face est verticale !
• Malgré tout votre talent et quelle que soit la qualité du matériel… préparez-vous à être frustrés !S’arrêter pour sortir l’appareil du sac ou de la veste est un geste qui va vite vous peser quand vous devez également vous concentrer sur une progression. Combien de fois ai-je eu l’impression d’avoir pris une centaine de photos pour n’en trouver la course finie qu’une trentaine dans l’appareil dont trop peu figurant des passages spectaculaires ou ayant particulièrement marqué l’attention… Il est difficile à la fois de grimper, admirer et photographier ! Choisissez avec soin votre partenaire de cordée : outre sa compétence en alpinisme, il doit idéalement être patient pour s’arrêter quand vous le souhaiterez et que les conditions de la montagne le permettront en sécurité (pas sous un sérac ou au milieu d’un pont de neige…)