1. Toujours formater la carte dans l’appareil photo qui va l’utiliser (le formatage dans un ordinateur ne conviendra pas toujours; de même pour le formatage sur un autre appareil photo)
2. Toujours attendre 3 secondes avant d’éjecter la carte mémoire (ou vérifier soigneusement que la petite LED rouge de l’appareil a bien complètement cessé de clignoter)
3. Sauvegarder les photos dès que possible (un videur de carte reste la meilleure option ; n’attendez pas d’être assis en face d’un PC portable), puis reformatez immédiatement la carte (sur l’appareil photo !) pour la rendre totalement disponible
4. Ne jamais faire de sélection d’image sur l’appareil photo (il reste impossible de juger de la qualité d’une image sur l’écran LCD à l’arrière d’un appareil ; toujours réserver l’édition à votre PC/Mac)
5. Routine personnelle : rangez les cartes vides ou exposées dans des emplacements clairement différenciés (poches différentes du sac à dos, boitier ou sac à la couleur différente ou à la texture différente ; le mieux est de pouvoir les reconnaître facilement dans toues les circonstances, y compris dans le noir).

Contenu des sacs de voyage

J’ai bien dit les sacs de voyage, parce que je recommande de séparer le matériel que vous transportez en deux catégories :

1. les articles absolument indispensables à l’arrivée ; par exemple, le boitier reflex principal, une ou deux optiques critiques, le chargeur de batterie.
2. les articles qui peuvent être remplacés ou dont vous pourrez vous passer sans remettre en cause intégralement le voyage ; par exemple, le monopode ou le trépied, les câbles de rechange, le deuxième disque dur de sauvegarde, la housse de certains équipements, etc.

Le tri doit être draconien pour ne garder que le strict nécessaire dans la première catégorie, en vue de réduire le poids du bagage cabine qui ne contiendra que le strict nécessaire. A votre arrivée, il sera toujours temps de remettre les emballages ou les housses, de ranger le matériel de manière plus pratique. Mais votre objectif est de réduire drastiquement le poids du bagage cabine qui -très certainement- va dépasser les règles fixées par la plupart des compagnies aériennes. Donc, avant de négocier, il vaut mieux avoir fait un premier tri tranquillement à la maison.

Pour information, voici ma propre répartition (par exemple, quand je pars en safari photo ou en ballade photo à l’étranger) :

1. les indispensables :
   • Boitier reflex principal
   • Les télé-objectifs, les objectifs
   • Le chargeur de batterie
   • Toutes les cartes mémoire vierges (elles ne pèsent rien !) dans un étui clairement identifié
   • Le videur de carte (type Hyperspace Colorspace UDMA ou autre), un premier disque de backup et un câble de branchement
   • Le PC portable et son chargeur
   • Les factures de tous les matériels (on n’est jamais à l’abri d’une gréve du zèle chez les douaniers)
   • Les médicaments (avec une ordonnance, si possible rédigée en anglais)
2. les remplaçables :
   • La GoPro (je fais surtout de la photo ; la vidéo est un plaisir annexe)
   • La housse des téléobjectifs (vous remettrez ces grosses lentilles dans leur housse à l’arrivée)
   • Les bagues-allonge ou les compléments optiques
   • Un monopode et/ou un trépied (au pire, un minuscule Gorilla-Pod peut aller en cabine)
   • Les batteries de rechange
   • Le deuxième disque de backup (Ne gardez jamais toutes vos sauvegardes dans le même sac ; minimisez les risques)
   • La housse du PC portable
   • les câbles de rechange
   • Les chargeurs de rechange et les câbles de connexion des chargeurs au 12V (prise allume-cigare)
   • Le kit de nettoyage du capteur, le kit de nettoyage du reste du matériel
   • Un kit de réparation (colle néoprène, colle cyano-acrylate, épingles, couteau, ciseaux, pinces, mini-tournevis)
   • Tous les câbles USB de rechange (j’emporte toujours un câble de chaque type pour pouvoir me connecter à n’importe quoi, n’importe où)
   • Les vêtements en tous genres
   • Éventuellement, les manuels et modes d’emploi (on préférera la version électronique sur le PC)
   • Une lampe frontale et une petite lampe de poche
   • Des rouleaux de gaffer (scotch souple et déchirable)
3. Ceux pour lesquels j’hésite à chaque fois :
   • Deuxième boitier reflex ou de rechange
   • Les filtres optiques

Préparation du voyage

Certains sujets méritent d’être pris en compte à l’avance. Parfois, ils sont évidents, parfois ils le sont moins.

• Si vous avez une carte de presse, il peut être utile de contacter directement la compagnie aérienne avant le vol. Certaines disposent d’un service spécifique pour autoriser l’emport de bagages de grande taille en cabine (une caméra vidéo professionnelle par exemple). Mais si vous êtes amateurs, c’est sans espoir…
• Pensez bien à vous faire établir un visa pour tous les pays où vous vous rendez. Attention à deux pièges trop courants :
  1. Si vous avez une correspondance, vous serez peut-être obligé de passer l’immigration locale (même pour quelques heures). Vérifiez avec votre transporteur aérien.
  2. Les réglementations peuvent avoir changé entre la réservation et le vol. Vous pourrez en être informé à l’avance via Internet, mais il vaut toujours mieux vérifier que se faire refuser l’embarquement.
• Certains pays acceptent de prendre le visa à l’aéroport d’arrivée mais demandent un paiement en liquide. Avez-vous pensé à disposer de quelques dizaines d’euros ou de dollars ? Dans votre bagage cabine…
• Votre carnet de vaccination est-il à jour ? Certains pays imposent des vaccins, certains les recommandent… Soyez en règle, quelle que soit votre opinion sur l’innocuité de tel ou tel vaccin ; les officiels ne discutent pas.
• Les devises (à répartir dans plusieurs poches différentes)
• La crème solaire
• La trousse à pharmacie (y compris pansements contre les ampoules, Biafine contre les brûlures, répulsif contre les insectes)
• Prévoyez de la lecture et des distractions (films, jeu vidéo, etc.) pré-chargés sur votre PC portable ou votre smartphone (sans oublier les écouteurs pour ne pas déranger les voisins et pour vous isoler du bruit de fond de l’avion ou du bus).

Enfin, de plus en plus, il est important de s’assurer que l’on dispose des moyens informatiques adéquats. Par exemple, si vous avez une vérification à deux étapes sur votre compte email, il faut récupérer à l’avance la liste des codes de secours au cas où vous ne seriez pas reconnu à l’étranger ou sur un ordinateur inconnu.

Testez aussi les logiciels que vous comptez utiliser loin de chez vous. Est-ce que le logiciel d’édition photo continue à fonctionner sans connexion Internet, par exemple ? (ne riez pas, cela m’est arrivé ; et il est très désagréable de le découvrir le premier jour à destination).

Vérifications de dernière minute

Mais il y a aussi quelques actions de dernière minute pour ne pas être pris par surprise. Quelques éléments à collecter la veille du départ. Ayez sur vous…

• Votre numéro de passeport (en cas de perte) ; mieux, envoyez-vous une copie du passeport sur votre messagerie email ou sur votre smartphone.
• L’adresse et le téléphone de votre correspondant à l’arrivée (pas l’agence au départ).
• L’adresse et le téléphone de votre hôtel ou lodge.
• Les coordonnées de votre loueur de voiture, et le numéro de contrat.
• Les copies des billets et cartes d’embarquement sur votre smartphone.
• Le code du parking dans les aéroports où vous avez réservé une place.
• La ou les cartes de voyageur fréquent (par exemple, FlyingBlue chez Air France)
• Vos cartes de crédit (il vaut mieux avoir deux cartes pour le cas où l’une d’entre elles cesserait de fonctionner pour quelque raison que ce soit – ça m’est arrivé bien trop souvent et le retour à la normale a souvent lieu… au retour à la maison)

Enfin, je recommande de disperser une dizaine de vos cartes de visite dans chacun des bagages. En cas de perte, l’aéroport ou la compagnie aérienne sera content de les retrouver pour vous identifier plus facilement même si toutes les étiquettes extérieures ont été accidentellement arrachées.

Bonus : votre bean bag gratuit

Parfois, la compagnie aérienne vous offrira un petit colis contenant un peu de dentifrice, un masque de visage, des boules Quiès, etc. Précipitez-vous sur les sur-chaussettes. Elles constituent un excellent sac à graines pour constituer un bean bag (moyennant l’achat de quelques centaines de grammes de riz ou d’orge sur un marché local).

Bon voyage !

Alors, je vous recommande une petite visite au Blog de Glace (de Grand Nord Grand Large) où elle nous recommande un article qui est à lire par tous les photographes (y compris ceux qui -comme moi- ont froid aux doigts en dessous de 10°C) : « Prendre une photo ? Ou faire une photo ? » est un de ces articles superbement illustré mais agréablement écrit. Il nous rappelle que ce n’est pas l’appareil qui fait la photo mais le photographe qui prend la photo.

Via Marion Jonchères (ice-altitude.com).

photo credit: Tarun K Photography

Il n’y a alors qu’une solution : préparez-vous !

• Explorez les lieux : sachez où vous vous rendez, utilisez Google Maps et Google Earth pour connaître la topographie, les reliefs, la place des monuments, les routes et les rues qui mènent d’un lieu à un autre.
• Orientez-vous : les mêmes outils vous permettront de repérer de quel côté vous placer en fonction de l’ensoleillement si vous souhaitez réaliser des photos à contre-jour ou au lever du soleil.
• Inspirez-vous : il n’y a pas de mal à utiliser Flickr pour savoir ce que les autres voyageurs ont rapporté d’un lieu que vous ne connaissez pas encore. Reconnaissez les clichés habituels et découvrez-en quelques uns qui le sont moins : vous rapporterez le l’image que tous attendent à votre retour et quelques bonnes surprises (même si vous ne resterez peut-être pas assez longtemps pour explorer toutes les possibilités d’un sujet).

Mais il y a aussi un moyen pour aller plus loin qu’en étant préparé : ayez un guide pour vous accompagner. Cela présente plusieurs avantages :

• Un guide connait tous les coins et recoins de votre destination : vous ne serez jamais aussi préparé que lui.
• Choisissez un guide qui sait ce que photographier veut dire. La plupart d’entre eux ne savent que vous amener à un lieu. C’est particulièrement vrai pour des voyages difficiles du point de vue de la photographie comme les safaris photo : votre guide devra savoir se placer (ou placer le véhicule) au bon endroit, il devra accepter de rester longtemps en un même lieu, à proximité d’un même animal ; il devra accepter de se lever tôt le matin et de ne pas s’arrêter dans les lieux de tourisme les plus courus. De ce côté, les agences spécialisés sont une mine à explorer, mais vous voudrez peut-être discuter avec le guide (même sur Skype).

photo credit: SPM435
• Vous pourrez vous concentrer sur la photographie sans avoir à vous préoccuper exagérément du reste (il ne sera pas un garde-du-corps, mais il vous évitera d’avoir à regarder derrière vous pendant les shoots).
• Dans certains cas, un guide sera un moyen d’accéder à des lieux inaccessibles autrement : une cérémonie religieuse, un lieu éloigné, une zone hors-piste accessible uniquement sous conditions, etc.

Néanmoins, pensez aussi à prendre du temps pour respirer, pour goûter les lieux. Ne restez pas le nez dans le viseur toute la journée et pensez à regarder autour de vous, à profiter plus largement. Si vous êtes en famille, faites aussi participer vos proches : je recommande de vous assurer que tout le monde dispose d’un appareil photo (pour mieux partager) et que même les enfants participent (par exemple en leur proposant de poser dans une photo : un ami emmenait toujours un grand cadre de bois doré que ses enfants utilisaient pour créer des photos « recadrées » avec le monument et eux-mêmes ; un jeu infini à plusieurs).

Ainsi, beaucoup de gens veulent voir mes photos immédiatement après la prise. Ça ne me pose guère de problème sur l’écran arrière de l’appareil (de toute manière, on n’y voit rien…) mais je résiste activement pour ce qui concerne les images finales. En effet, je réalise un travail supplémentaire qui ennuie parfois certains photographes mais que je considère comme partie intégrante de la photographie (et qui a été une des raisons qui m’ont fait basculer tôt dans la photo numérique). Tout d’abord, je fais le tri sur Adobe Bridge. Je ne garde généralement qu’un faible partie des images que j’ai rapportées. Dans une réunion familiale, je garde plutôt la moitié des photos (et encore… je shoote beaucoup et je jette pas mal). Dans un safari photo, je garde entre 1% et 3% des images enregistrées. Le reste n’en vaut pas la peine. A chacun son ratio (on pensera sans doute que je devrais moins appuyer sur le déclencheur, mais c’est mon style), mais il faut faire le tri.

Ensuite, je me lance dans une vrai phase de développement : je pars des images RAW de mon appareil, mais le même principe s’applique à des images JPEG (Je préfère seulement partir d’images moins trafiquées par l’appareil pour obtenir exactement ce que je souhaite). Par conséquent, une grande partie de ce que je fais se passe dans Adobe Camera Raw (et s’applique donc pour l’essentiel aux utilisateurs de Lightroom). Voici comment je procède et… pourquoi.

La première chose consiste à repérer que l’histogramme de la plupart des images ne couvre pas toute la gamme du noir au gris : il n’y a pas de vrai noir (sur la gauche de l’histogramme), ni de vrai blanc (à droite). C’est peut être un choix artistique, mais dans la plupart des cas c’est simplement une conséquence des limitations de l’appareil.

Je procède alors en deux étapes pour profiter complètement de la gamme de tons. D’abord en utilisant l’Exposition pour caler les hautes lumières à la droite de l’histogramme. Ici, j’ai poussé l’Exposition de +0.35 pour aligner le bout de l’histogramme avec la droite (je me suis assuré que les blancs sont complètement blancs, pas gris clair, mais sans les brûler).

Ensuite, je fais de même avec les basses lumières (et la gauche de l’histogramme) en utilisant la commande Noirs, légèrement poussée.

A partir de là, la dynamique de l’image est maximale. Il est encore possible de corriger le contraste, mais c’est rarement utile si les conditions de prise de vue étaient convenables. De même, sauf énorme problème d’exposition dans l’original, il n’est pas nécessaire d’utiliser la commande Lumière d’appoint qui sert à déboucher un peu les ombres.

Ensuite, je recadre mon image : on peut dire que j’ai la mauvaise habitude de centrer mon sujet, mais quand il s’agit d’animaux très mobiles, comme les trois chacals de cette photo, je préfère utiliser le capteur AF central de mon Sony Alpha 700 qui est le plus sensible et le plus rapide. Je laisse le recadrage à Photoshop (tout en reconnaissant que chaque fois que c’est possible, il est plus simple de penser au cadrage dès la prise de vue).

Pour cela, j’utilise l’outil de recadrage qui est dans la barre d’outil au sommet de la fenêtre et je choisis mon cadre (en pensant aux traditions comme la règle des tiers).

Certains préfèrent procéder au recadrage avant tout autre opération. Il y a de bonnes raisons pour cela (en particulier, si le recadrage sert à retirer des zones vilainement sur- ou sous-exposées). Je crois que c’est plus une question d’habitude qu’autre chose.

Vient ensuite l’étape la plus controversée : l’accentuation des détails. Il est facile de trop en faire et je recommande de garder les réglages d’origine plutôt que de cochonner ses photos (c’est facile, je ne dénoncerait personne). Mais il est vrai que j’accentue davantage les photos destinées à un site web que celles qui vont sur un tirage de qualité.

Le mieux est sans doute d’expérimenter avec des doigts de fées, dans l’onglet des réglages d’accentuation de Camera Raw, après avoir zoomé un peu sur les détails importants de l’image (on fait moins de bêtises si les détails sont déjà grossis sous nos yeux – psychologie de café du commerce, mais ça marche pour moi).

Ensuite, il est simple d’ouvrir une copie de l’image dans Photoshop à partir du bouton « Ouvrir une copie ». Ce sera nécessaire pour sauvegarder une copie préparée, ou pour imprimer un tirage.

Je recommande simplement de toujours convertir les couleurs (l’impact est généralement faible mais je fais confiance à Photoshop).

Vient ensuite une étape que je tiens de Patrick Fagot, photographe que j’aime beaucoup et dont je tire la plupart des idées de base sur comment utiliser simplement Photoshop, grâce à ses conseils lors de voyages faits ensemble au Brésil et au Botswana.

Il conseille d’encadrer immédiatement ses meilleures photos afin de leur donner un petit côté sérieux supplémentaire et c’est vrai que cela aide beaucoup de photos à « sortir du lot ».

Pour cela, il suffit de passer par la commande Image > Taille de la zone de travail... de Photoshop…

…et de choisir une nouvelle taille augmentée de quelques millimètres autour de l’image (et la Couleur de l’arrière plan).

Certains préfèreront utiliser la commande Relative qui permet de désigner de combien on augmente la taille, mais qui est moins confortable, je pense. Le résultat est une image avec une bordure noire (ou d’une autre couleur, vous pouvez facilement faire des expérimentations).

A partir de cette description, il est possible de varier la méthode. Mais je suppose que cela peut inspirer quelques lecteurs.

Pour aller encore plus loin je vous recommande tous les trucs de YLovePhoto.

1. Couleur : même si les feuilles sont déjà colorés, photographier au coucher ou au lever de soleil va ajouter un petit peu de couleur et cela sera toujours plus naturel que l’explosion colorée apportée par un filtre de saturation dans Photoshop.
2. Couleur : Le vert est aussi une couleur, alors pensez à construire des oppositions de couleur.
3. Filtre polarisant : en réduisant la réflexion spéculaire de la lumière, certaines couleurs seront amplifiées par l’usage d’un filtre POL-C.

photo credit: samenstelling
4. Arrière-plan : comme toujours, vérifiez votre arrière-plan et s’il n’apparait pas comme parfaitement adéquat n’oubliez pas d’ouvrir le diaphragme pour le noyer dans un flou élégant.
5. Vitesse : s’il y a du vent, même léger, augmentez la vitesse du déclencheur pour le corriger.
6. Vitesse : s’il y a une rivière, un torrent ou un objet mobile, baissez la vitesse du déclencheur pour les rendre flous.
7. Trépied : si vous tirez des photos sous les arbres, vous allez sans doute manquer de lumière for des vitesses rapides, alors prenez un trépied.
8. Eau : les feuilles ont meilleure allure quand elles sont couvertes d’un peu d’eau (il peut s’agir de la pluie ou d’un peu d’eau que vous avez apportée vous-même).
9. HDR: la plupart des photos de forêt sont soumises à des contrastes considérables entre les zones les plus sombres et les zones les plus lumineuses (en particulier, quand le sujet est à contre-jour). C’est exactement le moment d’essayer les techniques de HDR (High Dynamic Range).

1. Quand ? Le brouillard n’apparait pas dans n’importe quelles conditions mais il est relativement prévisible. En gros, vous aurez un matin brumeux si la veille a été une journée relativement chaude avec une nuit froide et sans vent. Il a tendance à s’accumuler dans les creux du terrain (vallée, dépression, etc.) qui favorisent le brouillard de radiation nocturne et les zones côtières présentent souvent une source de vapeur d’eau et un fort potentiel de perte de chaleur sur terre.



2. Comment ? Utilisez l’histogramme pour exposer « à droite ». En effet, l’appareil va avoir tendance à sous-exposer pour obtenir un gris moyen alors que la réalité que vous essayez de capter est plutôt blanche. Dans certains cas, vous allez simplement utiliser une surexposition de 1 EV ou 1,5 EV.
3. Contre-jour : Même si vous ne voyez pas spécialement le soleil favorisez l’orientation « contre-jour ».

photo credit: 1suisse
4. Silhouettes : Le brouillard va être l’occasion de découper des silhouettes sur un fond clair.
5. Surfaces : La brume a tendance à dessiner des surfaces nettement découpées pour les différents plans de l’image.
6. Rayons : Dès que le soleil est disponible et commence à percer les derniers lambeaux de brume, surveillez le moment où vont se découper des rayons de lumière.

Un filtre UV est-il utile ?

Tout d’abord, je voudrais démontrer une nouvelle fois l’importance de disposer d’un filtre de très haute qualité plutôt que du premier plastique venu. On le néglige trop, le filtre vient réduire la qualité de nos images et plus l’objectif est de qualité, plus ce serait regrettable. Pour bien en mettre en évidence l’impact, LensRentals a fait l’essai d’empiler 50 filtres sur un même objectif. Le résultat est immédiatement parlant, sans même zoomer à 100% :

Mais même un seul filtre dégrade la qualité de l’image.

Par contre, si l’on veut comparer l’impact ou la différence d’impact entre un filtre pro et un filtre grand public, il faut essayer 5 filtres UV pro et 5 filtres UV bas de gamme. Là aussi, il n’y a pas à réfléchir :

J’insiste : ce dernier test n’utilise que 5 filtres UV (pas 50 !) mais le résultat est perceptible même si vous ne cherchez pas à le voir. Avec un seul filtre, c’est moins net, mais vous pouvez faire le test vous-même et constater que les filtres sont à utiliser avec circonspection.

Comment fonctionne un filtre polarisant ?

Même si vous ne comprenez pas l’anglais, la vidéo suivante montre un filtre polarisant à gauche et un filtre gris neutre à droite. Ca peut aider à mieux comprendre.

Source : PetaPixel.

photo © 2009 Amaury | more info (via: Wylio)

1. Connaissez les lieux : vous pouvez utiliser une carte et aller voir sur place, mais soyez préparé parce qu’il y aura beaucoup de monde et se déplacer à la dernière minute ne sera guère possible ; soyez sûr de savoir où vous voulez être (et soyez en avance).
2. Pas de flash : ça ne sert à rien pour les feux d’artifice, cela ne peut qu’illuminer un objet au premier plan (avec toutes les difficultés d’équilibrage de la lumière que cela implique). Il est plus simple/meilleur d’utiliser l’ombré des objets au premier plan, si elle est facilement reconnaissable.
3. Un trépied : il fait nuit, il y a de la lumière mais pas assez. Les ouvertures seront grandes et les vitesses lentes. Le trépied doit être robuste et très stable (évitez aussi d’être sur le chemin des passants ou dans le vents : deux causes de photos floues).
4. Pas d’autofocus : Faites la mise au point à l’infini, passez en manuel et oubliez le sujet.
5. Vitesse lente : Plus la vitesse sera lente, plus il entrera de lumière dans l’appareil (n’exagérez pas : plusieurs fleurs de feu, ça fait élégant ; un paquet confus de couleurs ne sera sans doute pas lisible).
6. Expérimentez avec les ouvertures : si vous avez des objets en premier plan, n’hésitez pas à essayer diverses ouvertures pour varier les profondeurs de champ.
7. Une lampe de poche : la nuit, on n’y voit pas grand chose.
8. Tout sous la main : Batteries et cartes Flash doivent rester facilement accessibles et prêtes à l’emploi (le mieux, sans lumière, reste les poches de vos vêtements).
9. Ne vérifiez pas les images sur le LCD : vous n’aurez pas de temps à perdre à ça, faites des photos, vous regarderez plus tard. (Option : vérifiez les 2 premières images pour vous rassurer, puis rien avant la fin).
10. Cadre : pensez à essayer différentes compositions et plusieurs cadrages (panoramique, vertical, etc.)

Et amusez-vous bien !

1. Il n’y a pas de lumière : Dans la plupart des lieux de concert (surtout les plus petits), il fait très sombre. Comme spectateur, vous avez peut-être parfois l’impression que la scène est baignée de lumière, c’est tout simplement une impression fausse. Si certaines techniques d’éclairage sont très sophistiquées, elles sont chères à employer et même les plus grandes scènes de niveau international ne sont pas suffisamment éclairées pour le photographe. Prenez une focale fixe avec une grande ouverture de niveau pro : ça ira à f/2,8, f/2 sera encore mieux (vous verrez la différence). Recommandation : commencez avec un 50mm ou un 80mm acheté d’occasion pas trop cher.
2. Tirez toujours en RAW: Les logiciels de traitement d’image vont permettre de compenser les énormes écarts de balance des blancs et d’appliquer les algorithmes les plus sophistiqués pour la réduction du bruit (comme vous allez devoir utiliser des gros ISO, vous êtes très exposé au bruit numérique).
3. Passer en mode A – priorité à l’ouverture – (or ou M/Manuel si vous êtes à l’aise avec ce dernier) : Vous voulez rester tout le temps à la plus grande ouverture de votre objectif et un automatisme qui ferait varier l’ouverture ne fera que vous faire rater des photos.
4. Utilisez la sensibilité ISO maximale que votre appareil est capable de tenir en restant à un niveau de bruit acceptable (par vous). Vous n’aurez jamais assez de sensibilité, alors fixez-vous une limite est restez-y.
5. Utilisez le capteur central AF : Il est le plus efficace et vous en aurez besoin pour faire avec les contrastes invraisemblables et les basses lumières qui sont un piège redoutable pour votre autofocus.

JerkSystem à l’Elysée Montmartre
Copyright (C) Yves Roumazeilles

Étiquette

Il y a un vilain petit secret que les photographes de concert ne partagent généralement pas avec vous : tout se joue autour de l’étiquette (c’est parfois pire qu’à la cour du Roi Soleil). Je devrais peut-être plutôt parler de règles ? ou même de lois ? Cela n’est pas immédiatement perçu par le public, mais les règles doivent être appliquées à la lettre. Il faut les connaître.

• Ne faites pas ch… la Sécurité : les videurs ont un rôle important : ils sont là pour la sécurité du public et des artistes. Vous allez être continuellement dans leurs pattes, alors soyez aussi discret que possible. Et poli. Et obéissant. Une des pires choses à faire est de se balader dans tous les sens ; restez là où vous êtes, ne quittez jamais le pit ou vous allez vite être identifié comme un emm…deur.
• Ne faites pas ch… les autres photographes : Une nouvelle fois, se déplacer reste difficile et désagréable pour les autres photographes. Même s’ils vous connaissent et vous aiment bien, vous allez vite les énerver (ou pire) si vous sautez partout comme un cabri. Choisissez votre coin et restez-y.
• Ne faites pas ch… les fans : Ils ont payé pour être là. Si vous devez absolument les gêner à un moment, faites vite, très vite, et dégagez. S’il y a des moments ou la musique est très douce, ne tirez pas de photo. En aucun cas vous ne voulez votre déclencheur entendu par le public (ce n’est sans doute pas un problème pour un concert de heavy metal, mais il n’en va pas de même en musique classique pour pour le jazz). C’est plus facile qu’on ne le croit de se faire virer du pit…
• Une règle au dessus de toutes les autres : 3 chansons, pas de flash. Certains concerts admettront peut-être des exceptions à cette règle universelle, mais respectez-là TOUJOURS, sauf avec une confirmation explicite et répétée de la part du management de la salle de concert. Dans la plupart des cas, la Sécurité viendra vers vous à la fin de la troisième chanson. Simplement, remballez vos affaires. Ne discutez pas, n’essayez même pas de voler une ou deux photos supplémentaires. Et, bien sûr, pour éviter le flash, il n’y a pas mieux que les appareils qui n’en sont pas équipés (aucun risque d’erreur).
• Votre badge pit ou photo n’est pas un badge backstage. Alors, n’essayez pas d’énerver la Sécurité en allant dans la mauvaise direction.

Quand vous avez fini, vous pouvez partir poliment, mais il est généralement possible de rester pour la suite du concert. Je vous le suggère. 3 chansons de photo intensive ne vous permettent pas d’écouter la musique ou de regarder le spectacle. Restez et profitez du concert avec les fans. Vous en êtes peut-être un ou vous pourriez en devenir un.

La course automobile (ou la course moto) constitue assurément un lieu de prédilection pour photographier un sujet d’exception : couleurs vives, métal brillant, expertise technique, intense concentration de la compétition, tout y est. Alors, voici quelques trucs pour démarrer dans les meilleures conditions.

1. Matériel : accrédité ou pas, vous serez certainement loin de la piste, il convient donc de s’équiper avec une longue focale (200mm mini, 400mm souvent souhaitable si vous voulez accrocher des détails).
2. Préparation avancée : idéalement, il faut se rendre sur les lieux avant la course pour « prendre ses repères » (à noter, il est souvent beaucoup plus facile de se déplacer autour d’un circuit lors des essais officiels quelques jours avant la course), et vous pourrez en profiter pour faire des photos tout à fait complémentaires parfois dans de meilleures conditions.
3. Compétition : il s’agit d’une course donc il faut essayer de saisir cet esprit. Pensez à photographier préférentiellement plusieurs voitures simultanément (dans les virages, c’est plus facile) surtout dans les phases de dépassement.
4. Vitesse : tout va très vite, alors, choisissez une vitesse d’obturation élevée (au moins 1/1000s quand la voiture passe devant vous, peut-être 1/250s quand la voiture vient vers vous dans une courbe à basse vitesse).
5. Autofocus : choisissez absolument le mode AF continu ou AI-Servo ; les bolides sont très rapides et constituent le piège le plus courant pour un autofocus, même performant.
6. Stands : pensez à regarder ailleurs que sur la piste. Les stands sont un lieu où il se passe tout le temps quelque chose. Mieux, sur la plupart des circuits, l’arrivée d’une voiture dans les stands est signalée par un coup de klaxon pour les mécaniciens.
7. Podium : n’oubliez pas de photographier le vainqueur, soit sous le drapeau à damier, soit sur le podium final.

Le conseil supplémentaire : l’accréditation est un vrai problème pour toutes les grandes courses automobiles. Par exemple, sans à la fois être un pro, disposer d’une belle collection de travaux, être poussé par un organe de presse influent, il est pratiquement impossible de recevoir une accréditation pour une course comme les 24 heures du Mans. Par contre, il est possible (souhaitable ?) de pratiquer dans des conditions moins contraignantes que l’on rencontre sur les grands circuits mais lors de manifestations moins connues, sur des circuits locaux ou même sur des circuits de karting.

Cela fait une belle idée de cadeau pour la Fête des Mères ou la Fête des Pères : un appareil photo compact pour photographier les enfants et les petits enfants. Mais comment choisir le meilleur ? Il y en a des milliers, les plus grandes marques lancent des nouveautés toutes les semaines. Alors, suivons des règles simples qui permettent de ne jamais se tromper.

Un bel objectif

Quelles que soient les autres qualités d’un appareil photo, je ne cesse de répéter que c’est l’objectif qui est le plus important. Le capteur peut avoir des millions de pixels, dans un téléphone mobile, c’est bien le petit bout de plastique qui passe pour un objectif qui limite tout.

Repérez des appareils dont l’objectif ouvre largement (il sera f/2,8 ou f/4 au maximum) parce que cela permet de photographier avec moins de lumière. Si c’est utile, l’amplitude du zoom peut jouer mais les plus grandes amplitudes vont généralement avec une (relativement) mauvaise qualité. Une focale courte (35mm ou 28mm, en équivalent) est aussi le gage d’une photo réussie quand on n’a pas la possibilité de se reculer. Tout cela garantit une bonne réussite dans les conditions habituelles d’un anniversaire des enfants ou d’un repas de famille.

Beau ou solide ?

Le marché des appareils photo compacts s’est scindé progressivement en petits appareils du type « bijou » mais souvent un peu fragiles et en appareils robustes mais à l’apparence plus austère.

Il faudra choisir en fonction de la taille désirée par le destinataire du cadeau, du type d’usage (le grand-père ne prêtera pas aussi facilement son appareil bijou à un enfant en bas age).

Confort du LCD

L’élément le plus important qui vient ensuite est l’écran LCD arrière qui apparaît sur tous les appareils compacts. Le LCD doit être lisible même en plein soleil. Ce n’est jamais complètement vrai, même les écrans OLED ne sont pas loin d’être parfaits. Mais si vous pouvez comparer à la porte du magasin, vous verrez tout de suite lequel choisir.

Le capteur

Finalement, vous pouvez vous intéresser au capteur d’image. Le mieux est encore de disposer d’un capteur de grand format (on parle le plus souvent de format APS-C). Dans ce cas, l’appareil est un peu plus grand mais la qualité d’image en est très sensiblement améliorée. Vous allez disposer d’un capteur que vous verriez plutôt dans un appareil photo reflex.

Avec cela, vous voilà bien parti pour écumer les vitrines des vendeurs de compacts juste à temps pour la Fête des Mères et la Fête des Pères.

1. Organisez l’espace : un hélicoptère est un tout petit espace, déjà encombré. Dès que vous montez, installez votre matériel de manière à ne rien gêner. Ne touchez pas aux commandes si elles sont accessibles, même en manipulant votre sac. Vérifiez au sol comment vous pouvez changer d’objectif en toute sécurité si vous envisagez de le faire en vol.
2. Attachez tout : un hélicoptère, ça bouge, ça penche, ça tangue, ça vibre et c’est loin du sol. Calez le sac (mieux attachez-le), soyez sûr que la courroie de l’appareil est autour de votre cou.
3. Ouvrez la porte : cela va dépendre de l’appareil (et du pilote) mais si c’est possible, prenez un blouson coupe-vent et ouvrez la porte pour ne pas avoir d’obstacle situé entre votre objectif et le sujet.
4. Surveillez les pales : après tout, on les oublie facilement, mais les pales entrent souvent dans le champ d’un objectif standard ou grand angle. Soit vous les ferez apparaître volontairement (attention à bien choisir la vitesse de déclenchement pour le meilleur effet), soit vous voudrez vous assurer qu’elles restent bien en dehors du cadre.
5. Choisissez votre angle : évitez de viser loin à l’horizon (avec les inconvénients de la brume atmosphérique) et profitez de la situation surplombante pour essayer des cadrages soit légèrement en plongée, soit parfaitement à la verticale sous l’appareil.

Au delà des astuces, un conseil : profitez-en bien. Tirez des photos à volonté, mais réservez-vous aussi une pause pour regarder autrement qu’à travers l’œilleton du viseur.

photo © 2009 Autumn & Phill M. | more info (via: Wylio)

Les Y-trucs de ce mois sont donc consacrés à nous aider à passer à la vitesse supérieure pour que nos photos soient à la hauteur de l’intérêt que nous portons à ce sujet si proche.

1. Choisissez le meilleur moment : profitez du fait que votre modèle vous est proche pour choisir le moment où il est le plus disponible, le plus coopératif.
2. Descendez à hauteur du sujet : comme pour beaucoup d’autres sujets, l’animal est mieux photographié à hauteur d’œil, même si cela veut dire qu’il vaut mieux se coucher au sol ou photographier un animal qui est monté sur un meuble.
3. Surveillez l’arrière-plan : à la maison ou en extérieur, le fond de l’image peut perturber sa lecture. Choisissez un arrière plan adéquat, ou utilisez une grande ouverture pour le rendre flou.
4. Incluez son environnement : choisissez un beau lieu qui est représentatif de l’animal et ne cadrez pas trop serré (un champ ou une plage, par exemple).
5. Verrouillez le cadre : à l’opposé, vous pouvez vous approchez énormément d’un animal qui est coopératif. Pourquoi ne pas tenter la photo d’un détail (un oeil, une oreille, un bout de queue) ?
6. Composez une scène : encore une fois, comme votre animal est plus coopératif que le chat du voisin, profitez-en pour essayer la mise en scène. Mais soyez sûr de tout préparer avant d’amener l’animal ; il sera moins patient que la plupart des modèles humains.

photo credit: Dinh Huynh

Alors, retenons quelques conseils pour garantir les meilleures conditions photographiques possibles dans le grand froid.

1. Protection contre la buée : le froid produit de la buée chaque fois que le matériel change violemment de température. Dans un chalet, il fait chaud dans une atmosphère pleine d’humidité ; Dehors, il fait froid avec un air sec. Utilisez un sac de congélation pour emballer appareil et objectifs et les laisser au sec de l’extérieur quand vous rentrez. N’oubliez pas de retirer la batterie à recharger ou la carte-mémoire sur le seuil de la porte.
2. Protection contre la neige : comme pour la pluie, il faut se méfier de l’humidité qui tombe directement sur l’appareil. S’il est tropicalisé, c’est tant mieux. Sinon, craignez la neige autant que la pluie. C’est plus joli, mais ça mouille autant les contacts.
3. Réserve électrique : il vous faut des batteries supplémentaires ; dans le froid toutes les batteries perdent leur autonomie apparente. On conseille de garder les batteries en attente d’emploi au chaud (près du corps), mais surtout doublez toutes vos habitudes en matière de stock de batteries de rechange.
4. Protection du photographe : Il n’y a pas que le matériel qui souffre du froid. Pensez à vous habiller pour rester au chaud et au sec. Vous ne ferez pas de bonnes photos si vous grelottez et attrapez un rhume. Sans oublier que l’on se refroidit plus vite si l’on ne bouge pas.
5. Protection du photographe : plus particulièrement soignez les gants qui doivent être aussi chauds que possible mais avoir les extrémités aussi fines que possibles (pour garder une bonne sensibilité sur les commandes du matériel). Consultez les magasins spécialisés dans les sports alpins pour rencontrer les produits techniques adaptés à cet environnement.
6. N’oubliez pas la lumière : c’est le piège le plus courant sur la neige, il faut sur-exposer de +2 diaph quand la neige est dans votre viseur. Le capteur d’exposition essaye de faire un gris moyen et avec toute cette neige blanche, il va férocement sous-exposer dans ce but. Il faut compenser.

Bonnes photos glacées ! Et montrez-nous les résultats soit sur la page Facebook, soit sur le groupe Flickr.

photo credit: kevindooley

La cause du bruit numérique est dans le capteur lui-même. Sauf à disposer d’un capteur à très faible température (c’est ce que font les astronomes), l’agitation thermique des électrons dans le matériau du capteur va provoquer de fausses valeurs de couleur dans le capteur. Ces points sont corrigés (en partie seulement) par le logiciel de l’appareil photo, mais nous pouvons aider celui-ci.

• Utiliser les petits ISO : plus on monte en sensibilité, plus cela devient difficile pour le capteur qui doit amplifier de petits signaux. Attention en particulier au mode « ISO automatique » qui va peut-être emmener certaines photos à des niveaux incompatibles avec la qualité que vous attendez. Certains reflex Nikon comme le D7000 permettent de fixer vous-même les limites en ISO du mode auto ISO ; c’est bien. La limite à ne pas dépasser dépend beaucoup de votre appareil, mais aujourd’hui, 400 ISO restent très (trop) difficiles pour un compact, seuls les reflex APS-C les plus modernes peuvent envisager sereinement 800 ISO, les reflex semi-pro et pro vont plus loin. Mais attention : les générations plus anciennes (l’an dernier !) peuvent être limitées à un ou deux crans plus bas.
• N’oubliez pas le mode de réduction de bruit de l’appareil : c’est particulièrement vrai pour les poses longues (plus que 1/10s) et presque tous les appareils incluent un mode spécialisé pour l’identification du bruit dans les poses longues, mais il n’est parfois pas sélectionné dans le menu.
• Gardez votre appareil au frais : on l’oublie trop souvent, il s’agit d’un bruit thermique. Plus le capteur est chaud plus le bruit est élevé. Donc, laissez l’appareil au frais. Dans les cas où vous utilisez le mode LiveView ou le mode vidéo, laissez un peu de temps (une minute ?) pour que le capteur refroidisse après ces utilisations continues et intensives avant de vous lancer dans une image à bas bruit.

Après cela, il ne restera que Photoshop, GIMP ou tout autre logiciel pour réparer ce qui a été enregistré par le capteur.

« 2011, Neiges et Glaces du Monde » est un projet de Marion Jonchères, alpiniste, sportive, aventurière de l’extrême. Pendant une année, cette frêle jeune femme va affronter le froid et l’altitude dans des courses à la conquête de sommets glacés partout dans le monde, sur tous les continents.

Mais Marion est aussi photographe ; c’est pourquoi nous lui avons demandé de venir nous donner ses conseils pour la photographie en (haute) montagne. Ils seront aussi applicables en dessous de 6000m, bien sûr.

Vous pouvez suivre son aventure sur son blog ice-altitude.com.

Quand Yves m’interroge sur les particularités de la photographie de montagne, je lui demande : quelle photographie de montagne ? Celle de l’admirateur qui utilise son appareil depuis la terrasse d’un café qui fait face aux cimes ? Mmh… Ou celle d’une pratiquante assidue, pour qui l’appareil fait partie intégrante du matériel d’alpinisme ? Avec, évidemment, quelques contraintes… Voici quelques enseignements que je tire de ma modeste expérience d’amateur.

• • Privilégier un boîtier aussi compact et léger que possibleN’oubliez pas qu’il faut porter le matériel et que celui-ci ne doit pas gêner la progression. Le matériel est rangé dans le sac ou porté sur soi, dans la veste ou en bandoulière. Appareils délicats, s’abstenir !
    Pour ceux qui partent en trekking ou en expédition, pensez aux batteries de rechange ou chargeurs solaires. Les plus prévoyants prendront plusieurs cartes de mémoire, histoire de ne pas perdre tous les clichés en cas de chute malencontreuse de l’appareil en crevasse ou dans une rivière…
  • Utiliser un filtre UVLa densité en ultra-violets (UV) augmentera avec l’altitude. La neige a un effet éblouissant. Le filtre UV (Skylight 1A ou 1B) aide à modérer ces effets. De plus, il protégera l’objectif si, comme moi et pour gagner en rapidité, vous ne remettez pas le capuchon à chaque photo.
  • Privilégier le grand angle et laisser le téléobjectif à la maisonLe grand angle (jusqu’à 18 mm) permet de prendre du recul par rapport à des montagnes parfois imposantes et capture mieux l’impression que vous retirez devant une chaîne ou dans un cirque… On aimerait parfois avoir recours au panoramique !

    Pour les images de votre compagnon de cordée en pleine action, oubliez le téléobjectif sauf si vous voulez vérifier qu’il a fixé ses crampons ou son casque correctement. On appréciera toutefois une focale légèrement grossissante (135 mm) qui permet de centrer une photo sur le personnage tout en gardant une certaine profondeur d’image.

    Si vous voulez suivre la progression de camarades sur une montagne ou repérer un itinéraire, prenez plutôt des jumelles ; c’est moins lourd et plus efficace qu’un téléobjectif.

  • De la difficulté de capturer l’inclinaison réelle d’une paroi rocheuse ou d’une pente de neige / de glaceLa paroi est verticale et la pente de neige inclinée à plus de soixante degrés, et pourtant votre leader, au-dessus de vous, semble marcher à quatre pattes ? C’est la principale difficulté d’une image de la progression de la cordée. Il faut essayer de photographier un personnage sensiblement à la même hauteur que vous (en veillant à prendre son meilleur profil !), le ciel ou d’autres montagnes en fond faisant ressortir la position du personnage et l’inclinaison de ce à quoi il s’attaque. Des photos en contre-plongée peuvent être réussies sous réserve de garder une ligne de fuite (une langue de glacier, une moraine…).

• Oubliez les contre-joursSauf à vouloir figurer différents plans de chaînes se succédant à l’horizon, la montagne y est particulièrement moche, écrasée par la lumière, la roche devenant noire, sans aucun des contrastes que l’on obtient avec un éclairage favorable.
• Quelle est la plus belle lumière ?Question très personnelle… Si les couchers de soleil peuvent donner de magnifiques couleurs, notamment dans les teintes rosées, les couleurs du lever sont pour moi les plus belles. L’orange du matin sera plus chaud que celui du soir et l’atmosphère plus claire. On notera aussi avec intérêt les lumières pastels particulières d’un après-midi d’hiver, telles l’abricot ou la pêche : un régal (au figuré) !
• Pour en mettre plein la vue à vos amisVous venez de gravir un couloir de neige d’inclinaison somme toute encore modeste ? Alors redescendez vite et photographiez le couloir / la montagne de face en vous en éloignant assez sensiblement : vos amis croiront que la face est verticale !
• Malgré tout votre talent et quelle que soit la qualité du matériel… préparez-vous à être frustrés !S’arrêter pour sortir l’appareil du sac ou de la veste est un geste qui va vite vous peser quand vous devez également vous concentrer sur une progression. Combien de fois ai-je eu l’impression d’avoir pris une centaine de photos pour n’en trouver la course finie qu’une trentaine dans l’appareil dont trop peu figurant des passages spectaculaires ou ayant particulièrement marqué l’attention… Il est difficile à la fois de grimper, admirer et photographier ! Choisissez avec soin votre partenaire de cordée : outre sa compétence en alpinisme, il doit idéalement être patient pour s’arrêter quand vous le souhaiterez et que les conditions de la montagne le permettront en sécurité (pas sous un sérac ou au milieu d’un pont de neige…)

Voici ce que je peux faire pour repartir avec de nouvelles idées, une énergie toute neuve pour la photo :

• Ouvrir un livre photo et allez y chercher des surprises, ce qui est différent de mon propre travail : sujets différents, compositions différentes, nouvelles couleurs, nouveaux lieux.
• Prendre une DVD pour regarder un film. Parfois, cela vous permettra de remarquer que le travail d’un directeur de la photo révèle un vrai photographe. Il faut là que je mentionne deux films, l’un ancien, l’autre récent : In Cold Blood (de Richard Brooks, 1967 ; DoPh : Conrad L. Hall) et Desert Flower (de Sherry Horman, 2009 ; DoPh : Ken Kelsch).
• Aller dans un musée près de chez moi et contempler toutes sortes de peintures ou d’œuvres graphiques.
• Rendre visite à un artisan pour admirer le travail du bois, de la pierre, du métal et ce que l’art peut en tirer.
• Ouvrir un magazine photo et sauter les articles matériel et soft pour aller voir les images de grands photographes : j’apprécie particulièrement les pages réservées à des agences photo dans Chasseur d’Images (France) parce qu’elles présentent la photo commerciale sous son meilleur aspect.

En général, c’est assez pour relancer la machine et me permettre de ne pas seulement continuer comme un zombie, mais comme un photographe nouveau.

Post scriptum : Pour ceux qui ne l’auraient pas immédiatement reconnu à son nom, Conrad L. Hall est un Directeur de la Photographie respecté de beaucoup et qui a participé à de nombreux grands films de l’histoire du cinéma. Souvenez-vous simplement de American Beauty et Les sentiers de la perdition (tous deux de Sam Mendes), ou Butch Cassidy et le Kid.

En triant et en sélectionnant les photographies de mon récent voyage au Botswana, il m’est revenu la liste des critères que j’aime à utiliser pour déterminer (un peu plus) objectivement les images qui méritent de sortir de l’immense fatras de fichiers qui sont sur les cartes mémoire de mon appareil photo.

En fait, je compte 1 point pour chacun des critères suivants :

• C – Qualité du Cadrage et de la Composition
• A – Attitude, Activité, Action
• I – Interaction du sujet avec son environnement, placement du sujet
• N – Netteté, absence de bougé ou de flou
• E – Lumière et Exposition

Après tout, si vous souhaitez une photo de haut vol, il est bon de remplir toutes ces conditions.

Un bon photographe retiendra de tels critères au moment d’appuyer sur le déclencheur ; un excellent photographe appliquera ces critères sans même y penser ; pour ma part, j’ai encore besoin de me rémémorer ces critères au moment de faire le tri sous Adobe Bridge.

A noter : il est facile de les retenir à partir des initiales, CAINE.

Quelques trucs que j’ai regroupés pour vous en vue d’obtenir un maximum de piqué sur vos photos (et mes photos) :

• Lumière : l’ombre n’est pas favorable ; elle apporte le flou de bougé et les difficultés de mise au point automatique.
• Vitesse : une obturation rapide réduit le flou de bougé.
• Trépied : pour ne pas bouger, il n’y a pas mieux que de poser l’appareil sur un bon gros trépied bien stable.
• ISO : choisissez une sensibilité suffisamment élevée pour que l’obturateur puisse figer le sujet, mais pas trop (pour ne pas faire « monter le bruit »).
• Autofocus : un AF bien réglé (pour ceux qui ont un micro-réglage de l’autofocus), un AF utilisé dans le mode adéquat (selon que le sujet est mobile ou pas, il y a un mode spécifique).
• Zones Autofocus : le choix de la zone d’AF est également critique (il est trop facile d’avoir un point fait sur le fond derrière le modèle plutôt que sur le modèle lui-même). Il est souvent important de sélectionner la mise au point sur l’œil du sujet photographié plutôt que sur le nez.
• Sujet : si le reste est déjà optimisé (surtout en basse lumière), autant que le sujet lui-même ne bouge pas.
• Capteur : évidemment, utilisez un appareil dont le capteur à une haute résolution ; mais attention à ne pas abuser au point de prendre un appareil à très haute résolution mais dont le capteur est très bruité (un compact avec un capteur de 10MP+, un reflex APS-C avec un capteur de 18MP+, par exemple).
• Objectif : il vaut bien sûr mieux avoir un objectif au piqué (et au prix) professionnel mais chaque caillou possède des conditions optimales d’utilisation (rarement la plein ouverture, souvent pas le diaphragme le plus fermé).
• Filtre : fuyez les filtres inutiles (comme le Skylight ou le UVA/UVB) ou les filtres de basse qualité (qui introduisent des défauts optiques en plus de ceux de l’objectif).
• Software : ne poussez pas les réglages de votre logiciel anti-bruit qu’au strict minimum (il réduit le bruit au dépens du piqué).
• Format : évitez le JPEG ou utilisez un JPEG peu compressé (les artefacts de compression commencent par rogner sur la qualité fine de l’image). Restez en RAW (ou en TIFF).

Quand vous vous trouvez dans un avion ou un avion léger en vol à proximité de montagnes, il est tentant de prendre des photos ; mais les conditions sont très difficiles pour le photographe. Les pièges sont nombreux et le résultat est toujours en danger de perdre beaucoup en qualité.

Par exemple, les problèmes peuvent être :

1. La présence d’obstacles
2. La turbulence atmosphérique
3. Le voile atmosphérique
4. Les vibrations de l’avion
5. Les limitations optiques du hublot

Tout d’abord, il convient d’être assis à proximité d’un hublot (du bon côté) et de ne pas avoir l’aile ou un moteur obstruant une partie de la vue. Choisissez votre siège dès le départ ou négociez poliment avec le passager le mieux assis.

Les moteurs de l’avion provoquent de turbulences importantes qui sont très perceptibles juste derrière eux. Asseyez suffisamment à l’avant (les places les moins chères sont souvent à l’arrière).

L’humidité de l’air et la poussière sont moins problématiques en altitude qu’au niveau du sol, mais vous allez sans doute vouloir photographier des paysages qui sont à une grande distance. Seuls les jours de ciel très clair sont acceptables parce qu’il garantissent un voile atmosphérique seulement léger. Il est même largement préférable de tenter sa chance au petit matin (la lumière est meilleure) pour profiter d’une plus faible condensation atmosphérique. La chance doit être avec vous (la persévérance peut compenser).

Un avion (surtout un petit avion), cela vibre. Pas autant qu’un hélicoptère, mais ça vibre terriblement ! Donc, adoptez une vitesse de déclenchement élevée. Pire : ces fréquences de vibration ne sont guère compensées par le stabilisateur de votre boîtier ou votre objectif prévu pour compenser les mouvements du photographe. Pour un objectif de 80mm, je conseille de rester plus rapide que 1/200 s ; pour un 35mm, plus rapide que 1/100 s. Vous aurez sans doute besoin de monter un peu en ISO à cause de cela.

Mais le plus gros obstacle risque d’être le hublot. Rien à faire : ce n’est pas un filtre photographique neutre. Il assombrit l’image de manière irrégulière, il est peu compatible avec les filtres polarisants (dérive des couleurs et dégradés forcés dans le ciel), il est rarement exempt de rayures et de tâches (celles de l’intérieur peuvent être lavées soigneusement, mais à l’extérieur…)

Au final, il reste à déclencher. N’hésitez pas à doubler vos images, pensez à construire des panoramas (à photographier selon les conseils de photo panoramique de Roumazeilles.net, et à assembler avec PhotoMerge de Photoshop ou avec AutoPano Pro).

Les photos qui illustrent cet article sont Copyright (c) 2009 – Yves Roumazeilles (tous droits réservés)
Cliquez sur les imagettes pour agrandir la photo.

• Le N&B adore les textures et le grain des surfaces
• Soyez attentif à la lumière
• Choisissez les petits ISO : le bruit numérique est plus perceptible en N&B
• Vérifiez la composition : en l’absence de couleurs, l’oeil du spectateur est plus attentif au cadrage
• Avant de convertir en Noir-et-Blanc, faites les réglages et le nettoyage de l’image (les résultats seront meilleurs)
• Votre logiciel a sans doute mieux à proposer que simplement une conversion en nombre de couleurs ou une désaturation
• Reprenez l’édition après la conversion en N&B
• Même quand vous faites de la couleur : si ça ne marche pas en couleur, essayez en noir et blanc

photo credit: Dave-F almost retired

Voilà mes règles pour m’auto-améliorer :

1. Y Penser tout le temps. Il faut voir le monde avec un oeil photographique, chercher, puis trouver des photos partout où l’on passe (avec ou sans appareil) : au volant d’une voiture, sur l’autoroute, dans une rue, dans un métro, dans une soirée familiale, ville/campagne, dans les zoos, pendant les fêtes de famille, au bureau, à l’usine, etc.
2. Expérimenter. Il y a des millions de techniques particulières en photo. Les appareils numériques nous permettent de tout essayer pratiquement gratuitement. Il faut faire des essais : contre-jour, plongée/contre-plongée, nuit, grand-angle/télé, panorama, macro, vitesse, flash, etc.
3. Pratiquer. Il faut déclencher beaucoup et regarder le résultat pour se rendre compte de ce qui est bien et de ce qui ne l’est pas. Mais déclencher beaucoup est aussi un moyen d’apprendre son appareil. La première fois que l’on prend le volant d’une voiture, c’est dur… puis « ça rentre ». Et on oublie les gestes et on finit par conduire sans y penser. C’est alors que l’on peut faire ce que l’on veut. Quand je connaîtrai mon appareil par coeur, je manquerai moins de photos simplement par lenteur de réaction.
4. Laisser l’appareil de côté. Parfois, une batterie déchargée, un appareil oublié permet de faire des photos simplement dans sa tête en se libérant de la contrainte technique : regarder.
5. Ne pas laisser tomber. Il faut de l’endurance pour continuer et ne pas s’arrêter en route. Alors, continuons à tirer des images. Ca ne vient pas en une semaine.

Finalement, quand vous aurez atteint ce niveau, il restera à profiter (ou pas) de votre inné : il y a bien quelques photographes « naturels ».

Cliquer sur les imagettes pour les agrandir

Si vous voulez seulement profiter de la photographie, vous pouvez en demander un tirage en grand format sur RedBubble (ou plus simplement une carte).

Mais je crois que l’histoire de ces trois photos est un exemple de ce que je parviens parfois à bien faire en photographie. Il était une fois…

Le lieu

Le lac du Der est situé entre Troyes et Saint Dizier, aux portes de la Champagne. C’est un volume créé par l’homme pour servir de déversoir et de régulateur du cours de la Marne qui peut s’y répandre en cas de crue. Plusieurs villages y ont été noyés lors de sa construction entre 1967 et 1974. Les oiseaux d’eau et les migrateurs ont adopté ses 4800 ha (le plus grand lac artificiel de France) comme lieu de passage et le classement en Réserve Nationale de Chasse et de Faune Sauvage leur assure la protection. C’est donc devenu un lieu de rendez-vous courant pour les amateurs d’ornithologie (avec ou sans appareil photo).

Conseil : si les spécialistes y vont, vous pouvez leur faire confiance.

L’heure

Je voulais aller y jeter un oeil depuis longtemps, mais il a fallu un petit coup de tête (« pourquoi ne pas y aller profiter du lever du soleil puisque je n’ai rien de mieux à faire demain ? ») pour lancer le mouvement. Souvenons-nous que les heures extrêmes (lever et coucher du soleil) offrent des lumières plus riches et des moments plus calmes (moins de touristes). Il faut parfois accepter un petit effort pour faire une jolie photo (ce n’est pas qu’en safari africain que l’heure est importante).

Malgré tout, j’ai fait un peu fort en me levant à 3h30 pour prendre la voiture depuis Paris et arriver au moment du lever du soleil…

Conseil : n’ayez pas peur de vous lever tôt (ou de vous coucher tard).

La météo

J’aurais dû regarder la météo avant de partir : brouillard sur les 60 derniers kilomètres.

Conseil : consultez la météo.

Quoi faire avec un manque de lumière qui interdit toute couleur vive (ce que je fais le plus facilement : des couleurs « pétantes ») ? Choisir une approche totalement différentes : le monochrome. Si j’avais vérifié la météo, j’aurais peut-être hésité à partir tôt et je n’aurais eu que l’après-midi grise.

Conseil : ne consultez pas la météo, utilisez les conditions pour le meilleur qu’elles ont à offrir.

Le cadrage

Ce n’est pas un hasard si ces trois images sont cadrées verticalement. Bien des images passent mieux (cela fait moins « amateur ») une fois qu’elles ont été cadrées dans le sens de la hauteur. Bon nombre de mes meilleures photos sont cadrées verticalement (il faut remplir ce cadre, mais c’est souvent plus dynamique).

Conseil : pensez toujours à vérifier si un cadrage vertical « ne serait pas mieux ».

La composition

On nous dit parfois de ne pas écouter les conseils, mais en matière de composition, les règles millénaires restent importantes. L’une d’elles, la composition en tiers, consiste à couper l’image en trois zones, par le choix de l’emplacement du sujet.

Dans l’image ci-contre, je crois que je n’ai pas mal réussi cette composition. Le grèbe est au tiers bas, le buisson au tiers haut (ne chipotons pas sur les mesures, j’ai introduit des décalages légers pour compenser les masses relatives de l’un et de l’autre).

Dans le cas du grèbe à contre-jour, la composition fait appel à 1/3 et 2/3. Dans la partie haute, il pourrait y avoir un objet (le buisson sur l’autre photo, par exemple), mais j’ai choisi de laisser seulement le soleil remplir cet espace. Là aussi, la composition en tiers est utilisée et… très légèrement perturbée.

Pour l’image du canard, j’ai voulu profiter du reflet pour faire un effet de miroir. J’aurais pu créer une symétrie parfaite entre les deux silhouettes, mais « ça ne marchait pas ». J’ai donc recadrer très légèrement pour redonner un peu d’air et d’espace au dessus de l’oiseau pour son envol.

Nous voilà avec une composition centrée, décentrée.

Conseil : choississez votre composition avant de déclencher.

Développement et finition

Une fois la photo prise, il est possible de passer à l’étape de développement (comme pour une image argentique, mais avec des moyens informatiques). Ce n’est pas le plus facile, mais je trouve que c’est plaisant et l’ordinateur autorise les erreurs, les essais, les reprises sans avoir à payer les produits chimiques.

Ici, tout est possible. La première chose possible, peut-être la plus facile, est de recomposer l’image. Le grèbe huppé de droite n’était pas composé en tiers au déclenchement. En fait, les énormes contrastes lumineux rendaient la mise au point un peu plus aléatoire qu’à l’accoutumée. J’ai donc choisi de faire la mise au point sur l’oiseau avec le collimateur le plus sensible (le central) et de ne pas recadrer au déclenchement mais au tirage. J’en ai aussi profité pour recentrer plus parfaitement le reflet (cet oiseau passant son temps à nager, à plonger, etc., je ne voulais pas manquer le plus important et j’ai gardé une part de finition au tirage).

Mais cette image a aussi posé un assez gros problème de développement. Cela ne se voit pas beaucoup sur la version de taille réduite présentée sur Internet, mais c’est assez critique pour un tirage de poster ; deux pièges se présentaient dans l’image originale :

• Je voulais garder la structure très particulière des reflets : vus de près, il s’agit de lame de métal blanc brûlant dont je voulais préserver la matière propre.
• L’oiseau en contre-jour très violent présentait une légère auréole rouge.

C’est un cas où j’ai choisi d’exploiter directement la version Raw plutôt que le JPEG. Merci à Adobe Camera Raw pour sa capacité à retravailler simultanément, les défauts optiques comme cette auréole (avec une finesse de réglage appréciable), la netteté de l’image et l’équilibre des couleurs (c’est important même si l’image ne comporte presque que cinq teintes impressionnistes).

C’est aussi l’exploitation du Raw qui a permis de conserver la tendresse de la couleur rose de l’autre grèbe.

Même en travaillant plus simplement, le canard a mérité une correction soignée du rendu avec les courbes Photoshop.

Finalement, les deux images monochromes ont reçu un soigneux nettoyage des petits détails : chaque reflet de l’eau a été pesé et vérifié. Quelques uns ont été retirés. Beaucoup de détails ont été surveillés. Par exemple, les acquéreurs d’un tirage grand format du vol du canard pourront noter la présence des gouttes d’eau qui tombent de l’oiseau et les reflets des plus grosses d’entre elles.

Conseil : ne négligez surtout pas le tirage.

Mais je n’ai fait ces efforts que sur trois images. 80 déclenchements, un tri fanatique, mais je ne veux pas m’épuiser sur des images qui ne le méritent pas vraiment au départ. J’ai peu à peu appris que le tri ne vaut pas la peine d’être fait sur le terrain, mais qu’il doit être absolument drastique. Les images non-retenues n’auront pas besoin d’apparaître ailleurs que sur une planche-contact numérique sous Adobe Bridge.

Conseil : soyez fanatique dans votre tri, ne développez que vos meilleures photos.

C’est plus facile si vous aviez une idée claire de l’image à faire au moment d’appuyer sur le bouton ; les images que vous avez prises sont toutes liées par cet objectif initial.

Conseil : décidez de la photo que vous voulez faire, ne vous contentez pas d’appuyer sur le déclencheur.

La chance

Une fois que vous avez mis tous les atouts de votre côté, un peu de chance ne fera pas de mal. Sur ces trois images, chacune a sa part de hasard.

• Dans les reflets du soleil, je pensais bien trouver une belle lumière mais je ne m’attendais pas aux formes en coups de pinceaux qui sont arrivées.
• Le monochrome presque parfait du « grèbe rose » aurait été impossible si le brouillard n’avait pas masqué totalement le soleil pendant 30 ou 40 minutes.
• Le reflet du canard n’est fonction que du léger souffle qui ridait la surface du lac. Un peu plus ou un peu moins et l’image aurait été toute différente. Elle m’aurait sans doute moins plu.

Conseil : Ayez de la chance ! Après tout le reste, vous l’avez bien mérité.

Maintenant, si vous le souhaitez et si vous n’avez pas été rebuté par les explications, vous pouvez encore vous offrir un tirage en grand format sur RedBubble.

 

Lion – Copyright 2008 Yves Roumazeilles

1. Soyez prêt. Gardez l’appareil toujours allumé. Le rallumer est une distraction inutile au moment de tirer une photo. La nature va vous surprendre. Soyez prêt pour les surprises… et pour les saisir au vol.
2. Soyez prêt. Gardez l’appareil sur les genous ou à côté de vous (pas dans le sac, mais posé sur le siège à plat à côté de vous). La nature va vous surprendre. Soyez prêt pour les surprises… et pour les saisir au vol.
3. Soyez prêt. Laissez l’écran LCD tranquille. Tirez des photos, vous pourrez toujours les regarder en rentrant au lodge. Il se passe des choses intéressantes pendant que vous vous prélassez dans votre passion fétichiste pour le LCD. La nature va vous surprendre. Soyez prêt pour les surprises… et pour les saisir au vol.
4. Prenez votre temps. Restez avec l’animal. Ne dîtes pas « OK. On l’a vu. Au suivant ». Patience ! Regardez.
5. Connaissez les animaux que vous devez trouver (demandez au guide avant de partir). Et cherchez-les. Tout le temps. Même en roulant pendant que vous discutez avec vos voisins de voiture.
6. Apportez un objectif 300mm ou un 400mm avec vous. Les animaux sont timides et ne se laissent pas facilement approcher.
7. Utilisez une vitesse élevée. Les animaux, ça bouge tout le temps et quand on s’y attend le moins. Pour les oiseaux : 1/1000e de seconde. Pour les animaux plus gros, 1/500e.
8. Cadrez votre sujet, évitez le modèle scotché au milieu de la photo. Mettez-le au bord pour qu’il marche vers l’intérieur. Evitez l’animal qui a l’air de regarder « en dehors de la photo ».
9. Faites la mise au point sur les yeux.
10. Vous allez être tenté de shooter tout de suite. Non ! Regardez d’abord comment la lumière se pose sur votre animal-sujet. Par exemple, un éléphant qui marche a peut-être les yeux dans l’ombre. Une seconde après, il a bougé et le soleil fait luire l’oeil. A quel moment fallait-il prendre LA photo ? Si attendre vous semble trop dur, tirez d’abord un « souvenir », puis regardez, attendez, choisissez. Tirez LA photo (je le fais beaucoup avec les oiseaux que je trouve totalement imprévisibles : Click ! une image pour me rassurer. Puis, je cherche la belle attitude, le reflet dans l’oeil, avant l’envol inévitable).
11. Faites vos photos tôt le matin et tard dans l’après-midi. La lumière dure de la mi-journée va tuer tous les sujets avec d’horribles ombres irrécupérables même avec Photoshop.
12. Il n’y a pas de différence visible entre un lion qui dort et un lion mort. Prendriez-vous vraiment une photo d’un lion mort ? Non ? Alors attendez un peu qu’il revienne à la vie. D’ailleurs, un lion qui dort bouge tout le temps : ne serait-ce que pour sortir du rayon de soleil qui perce à travers l’arbre qui l’abrite. Il suffit d’attendre une quinzaine de minutes (et parfois une heure).
13. Recherchez les comportements animaux : boire, se cajoler, marcher ensemble, se battre, sauter, atterrir (pour les oiseaux), etc. Voilà ce qui fait les histoires à raconter par une photo.

 

Buffle – Copyright 2008 Y.Roumazeilles

Voici la mise en application avec une image assez quelconque prise à l’arrière de la Défense à Paris.

1e solution : tutoriel Photoshop

Commencez par préparer votre image avec Image > Réglages > tons foncés/tons clairs.... On va y aller fort ! Tons foncés : facteur:50%, gamme de tons:45%, rayon:44px ; Tons clairs : facteur:67%, gamme de tons:65%, rayon:46px ; Réglages: correction colorimètrique:+20, contraste des tons moyens:0, écrêtage noir:0,01%, écrêtage blanc:0,01%.

Vous avez maintenant un calque « Arrière-plan » passablement modifié. Dupliquez-le et sélectionnez un mode de fusion Densité couleur-. Les hautes lumières sont brulées et complètement blanches. Mais les couleurs ont pris du peps (c’est le moins qu’on puisse en dire !).

Recommencez la duplication mais cette fois avec un mode de fusion « Densité linéaire+ ». Choisissez le noir comme couleur de premier plan, puis Sélection > Plage de couleur... et choisissez 100 comme Tolérance. Ajoutez un masque de fusion avec la petite icône ronde encadrée en bas de la boite des calques.

On duplique une nouvelle fois, avec un mode de fusion Incrustation. Appuyez sur Ctrl-I. On peut jouer un peu avec les opacités des deux derniers calques réalisés, de préférence 40% pour « l’Incrustation » et 60% pour le « Densité linéaire+ ».

Choisissez le blanc comme couleur de premier plan, puis Sélection > Plage de couleur... et choisissez 100 comme Tolérance. Sélectionnez le calque « Arrière-plan », dupliquez-le et remontez-le en haut de la liste. A nouveau, utilisez l’icône pour ajouter un masque de fusion. Vous voudrez peut-être ajouter un coup de filtrage gaussien par Filtre > Atténuation > flou gaussien... avec un rayon de 2. C’est ici que l’on apporte le léger halo qui est caractéristique de bien des images HDR. Choisissez avec soin le rayon qui convient le mieux à votre image.

Une dernière étape (facultative) peut être de corriger une éventuelle dérive de couleur (ou d’en créer une) en ajoutant un calque de réglage (l’icône circulaire coupée en deux, noir et blanc), option balance des couleurs.... Mais c’est généralement inutile :

Source : le site web www.hdrphotos.net, qui est maintenant fermé.

2e solution : tutoriel The Gimp

Avec The Gimp, vous pouvez compter sur le plugin de Gimpology.com. Il est probablement moins violent que ma solution préférée.

3e solution : tutoriel Photoshop

J’ai trouvé un autre tutoriel Photoshop sur le web à Various Photography Thoughts.

Note

CreateHDR qui est sensé faire cela en ligne ne veut plus fonctionner sauf -parfois- sur de très petites images. La rançon du succès ?